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Arte cinese. Discipline e caratteristiche principali

El dragón y el tigre son animales representados en el arte chino.

L’arte cinese è indubbiamente affascinante, notevole non solo per la sua bellezza ma anche per la sua profondità spirituale.

L’antica Cina si estendeva su un panorama geopolitico vasto e mutevole e l’arte che ha prodotto nel corso di tre millenni è, senza dubbio, altrettanto varia

Tuttavia, nonostante i continui sviluppi tecnici indigeni, i cambiamenti nei materiali e nei gusti e l’influenza di idee straniere, esistono alcune qualità intrinseche dell’arte cinese che permettono di descriverla in termini generali e di riconoscerla indipendentemente da dove e quando è stata prodotta e per quale scopo

Queste qualità essenziali includono l ‘amore per la natura, la fiducia nella capacità morale ed educativa dell’arte, l’ammirazione per la semplicità, l’apprezzamento per la pennellata accurata, l’interesse a vedere il soggetto da diverse prospettive e la fedeltà a motivi e disegni ampiamente utilizzati, dalle foglie di loto ai draghi

L’arte cinese avrebbe influenzato notevolmente quella dei suoi vicini dell ‘Asia orientale e l’apprezzamento a livello mondiale dei suoi risultati, soprattutto nella ceramica, nella pittura e nella lavorazione della giada, continua ancora oggi.

El arte chino engloba un amplio número de disciplinas que van desde la caligrafía a la escultura.

Una differenza importante tra la Cina e molte altre culture antiche è che gran parte degli artisti cinesi non erano professionisti, ma gentiluomini dilettanti (e alcune signore) che erano anche studiosi. Studenti di Confucio e dei suoi sobri principi, erano spesso letterati che pubblicavano poesie

L’arte era, per loro e per il loro pubblico, un mezzo per catturare e presentare l’approccio filosofico alla vita che apprezzavano. Per questo motivo, l’arte da loro prodotta è spesso minimale e priva di fronzoli, forse a volte anche un po’ austera agli occhi occidentali

Per la maggior parte della storia della Cina, l’arte doveva esprimere il buon carattere dell’artista e non essere una mera esibizione delle sue capacità artistiche pratiche. Molti di coloro che producevano e consumavano arte cercavano principi confuciani come la proprietà o il li.

Naturalmente c’erano anche artisti professionisti, ingaggiati dalla corte imperiale o da ricchi mecenati per decorare le pareti e gli interni dei loro splendidi edifici e tombe. Naturalmente, c’erano anche migliaia di artigiani che lavoravano materiali preziosi trasformandoli in oggetti d’arte per i pochi che potevano permetterseli, ma non erano considerati artisti nel senso moderno del termine

Le vere arti del merito in Cina erano la calligrafia e la pittura. Se il mondo dell’arte di oggi è affetto da un certo snobismo, i cinesi sono stati forse i primi a soccombere alle domande su cosa è e cosa non è arte.

In Cina la conoscenza dell’arte è cresciuta, tanto che sempre più persone sono diventate collezionisti. Sono stati stampati testi che guidano il pubblico attraverso la storia dell’arte cinese, con utili classificazioni dei vari meriti degli artisti del passato

In un certo senso, l’arte si è standardizzata con convenzioni a cui aderire. Gli artisti dovevano studiare i grandi maestri e copiare le loro opere come parte della loro formazione

Una delle fonti più famose e durature di consigli per giudicare l’arte è la lista di controllo in sei punti del critico e storico d’arte Xie He del VI secolo d.C., pubblicata originariamente nella sua ormai perduta Ancient Record of Painters’ Classifications. Nel valutare i meriti di un dipinto, l’osservatore dovrebbe valutare quanto segue (il punto 1 è il più importante ed essenziale):

  • Risonanza spirituale, ovvero vitalità.
  • Metodo dell’osso, ovvero utilizzo del pennello.
  • Corrispondenza con l’oggetto, che significa rappresentare le forme.
  • L’adeguatezza al tipo, che ha a che fare con la collocazione del colore.
  • Divisione e pianificazione, cioè collocazione e disposizione.
  • Trasmissione per copiatura, cioè copiando i modelli.

Queste regole relativamente rigide per la creazione e l’apprezzamento dell’arte erano quindi in gran parte dovute alla convinzione che l’arte dovesse in qualche modo giovare allo spettatore. L’idea, o meglio l’accettazione, che l’arte potesse e dovesse esprimere i sentimenti degli artisti stessi sarebbe arrivata solo in tempi più moderni

Tuttavia, questo non vuol dire che non ci siano stati, come in ogni arte del mondo, degli eccentrici che hanno ignorato le convenzioni e creato opere a modo loro inimitabili

In Cina ci sono casi di artisti che dipingevano a tempo di musica senza nemmeno guardare il quadro, di uno che dipingeva solo quando era ubriaco e usava il cappello al posto del pennello, di quelli che usavano le dita delle mani o dei piedi per dipingere e persino di un artista d’azione che spruzzava l’inchiostro sulla seta stesa sul pavimento del suo studio e poi ci trascinava sopra un assistente

Purtroppo, i risultati di queste innovazioni non sono sopravvissuti per essere ammirati oggi nei musei d’arte asiatica di tutto il mondo.

La caligrafía china es sin ninguna duda su arte más famoso.

L’arte della calligrafia – e per gli antichi cinesi era certamente un’arte – aveva lo scopo di dimostrare un controllo e un’abilità superiori con il pennello e l’inchiostro. La calligrafia si è affermata come una delle principali forme d’arte cinesi durante la dinastia Han (206 a.C. – 220 d.C.) e , per due millenni, ci si aspettava che tutti gli uomini istruiti la padroneggiassero

Alcune donne, o almeno alcune figure di corte, divennero note come esperte calligrafe, in particolare Lady Wei (272-349 d.C.), che si dice abbia insegnato al grande maestro Wang Xizhi (303-361 d.C.).

Molto più che una semplice scrittura, l’arte utilizzava diversi spessori di pennello, le loro sottili angolazioni e la loro fluida connessione reciproca – tutti disposti con precisione in spazi immaginari sulla pagina – per creare un insieme esteticamente piacevole

La calligrafia divenne rapidamente una delle sei arti classiche e antiche, insieme al rito, alla musica, al tiro con l’arco, alla quadriga e ai numeri.

Le tecniche e le convenzioni della scrittura avrebbero influenzato la pittura, dove i critici cercavano l’uso energico della pennellata, la sua spontaneità e la sua variazione per produrre l’illusione della profondità. Un’altra influenza della calligrafia sulla pittura fu l’importanza data alla composizione e all’uso dello spazio bianco

Infine, la calligrafia rimase così importante da comparire anche sui dipinti per descrivere e spiegare ciò che lo spettatore stava guardando, per indicare il titolo (anche se non tutti i dipinti portavano un titolo dell’artista originale) o per registrare il luogo in cui era stato creato e la persona a cui era indirizzato. Col tempo, queste note e persino le poesie sono diventate parte integrante della composizione complessiva e parte inseparabile del dipinto stesso

I proprietari e i collezionisti successivi hanno anche aggiunto ulteriori iscrizioni, perfino aggiungendo porzioni di seta o di carta al pezzo originale per accoglierle. Dal VII secolo d.C. in poi, i proprietari spesso aggiungevano il proprio sigillo con inchiostro rosso, ad esempio. I dipinti cinesi sembrano essere stati concepiti per essere continuamente manipolati e abbelliti con una raffinata calligrafia.

Los árboles y los animales son motivos frecuentes en el arte chino.

I pittori cinesi hanno dipinto su una varietà di materiali e in molti formati. I formati più diffusi erano le pitture murali (dal 1100 a.C.), le bare e le scatole (dall’800 a.C.), i paraventi (dal 100 a.C.), i rotoli di seta progettati per essere guardati a mano o appesi alle pareti (dal 100 a.C. in orizzontale e dal 100 a.C. in orizzontale e dall’800 a.C.).A.C. in orizzontale e dal 600 a.C. in verticale), ventagli fissi (dal 1100 a.C.), copertine di libri (dal 1100 a.C.) e ventagli pieghevoli (dal 1450 a.C.).

I materiali più diffusi tra i primi artisti erano il legno e il bambù, ma in seguito vennero adottati: pareti intonacate (dal 1200 a.C. circa), seta (dal 300 a.C. circa) e carta (dal 100 a.C. circa)

Latela si diffuse solo a partire dall’VIII secolo d.C.. Le spazzole erano fatte di peli di animali, tagliati a forma conica e fissati a un manico di bambù o di legno

È significativo che si tratti proprio degli stessi strumenti utilizzati dal calligrafo. Gli inchiostri utilizzati si ottenevano strofinando su una pietra bagnata un impasto secco di materia animale o vegetale mescolato a minerali e colla. Ogni artista doveva faticare a realizzare i propri inchiostri, poiché non esisteva una produzione commerciale di inchiostri.

I due soggetti più popolari nella pittura cinese erano i ritratti e i paesaggi. I ritratti nell’arte cinese sono iniziati nel periodo degli Stati Combattenti (dal V al III secolo a.C.) e sono stati tradizionalmente eseguiti con grande moderazione, di solito perché il soggetto era un grande studioso, un monaco o un funzionario di corte, e quindi per definizione doveva avere una buona moralità che doveva essere ritratta con rispetto dall’artista

Per questo motivo, i volti sono spesso apparentemente impassibili, con solo il minimo accenno di emozione o carattere sottilmente espresso. Spesso, il carattere del personaggio è espresso più chiaramente nel suo atteggiamento e nel suo rapporto con le altre persone presenti nel dipinto; ciò è particolarmente vero per i ritratti di imperatori e figure buddiste.

Esistono tuttavia casi di ritratti più realistici, visibili soprattutto nelle pitture parietali delle tombe. Un ramo della ritrattistica consisteva nel dipingere personaggi storici in alcune scene istruttive della loro vita che mostravano i benefici di un comportamento morale. Naturalmente, c’erano anche dipinti di persone che avevano obiettivi meno elevati, e tra questi c’erano le popolari scene di vita familiare cinese, spesso ambientate in un giardino.

La pittura di paesaggio esiste da sempre, ma il genere ha avuto un vero e proprio boom durante la dinastia Tang, quando gli artisti si sono interessati molto di più al posto dell’umanità nella natura. Nei dipinti di Tang, piccole figure umane guidano lo spettatore attraverso un paesaggio panoramico di montagne e fiumi

Non sorprende che le montagne e l’acqua dominassero la pittura di paesaggio, dato che la stessa parola cinese per paesaggio si traduce letteralmente con“montagna e acqua”. Compaiono anche alberi e rocce, e l’intera scena è spesso intesa a catturare una particolare stagione dell’anno

L’uso dei colori era limitato, o tutti in varie tonalità di un unico colore (illustrando le radici della calligrafia) o due colori in combinazione, di solito blues y verdi.

In accordo con la credenza taoista sul beneficio della contemplazione della natura serena, raramente c’è qualcosa a disturbare la tranquillità dei dipinti di paesaggio, come ad esempio i braccianti agricoli, e nessun luogo particolare è destinato a essere raffigurato. I periodi successivi, invece, vedranno scene di natura più intime e astratte, concentrate su soggetti molto specifici, come i giardini di bambù

I dipinti dettagliati di un singolo animale, fiore o uccello erano particolarmente popolari a partire dalla dinastia Song (960-1279), ma erano considerati artisticamente inferiori alle altre categorie della pittura cinese.

Tuttavia, alcuni animali divennero simboli di determinate idee e apparvero in pittura come erano già apparsi in altre forme d’arte, come la lavorazione del bronzo. Ad esempio, una coppia di anatre mandarine indicava un matrimonio felice, un cervo rappresentava il denaro e i pesci la fertilità e l’abbondanza. Allo stesso modo, piante, fiori e alberi avevano un proprio significato

Il bambù cresce dritto e fedele come dovrebbe fare un buon studioso, il pino e il cipresso rappresentano la resistenza, le pesche la lunga vita e ogni stagione ha il suo fiore: la peonia, il loto, il crisantemo e il prunus.

La profondità veniva ottenuta nei dipinti introducendo la nebbia o un lago al centro, che dava l’illusione che le montagne fossero più lontane. Altri accorgimenti includono l’uso di un inchiostro più chiaro e di tratti più tenui per dipingere gli oggetti più lontani, mentre gli oggetti in primo piano sono resi più scuri e dettagliati. Dipingere la scena con più punti di vista e più prospettive è un’altra caratteristica comune della pittura cinese

Esta es una de las pinturas más conocidas del arte chino.

Uno dei più famosi dipinti di paesaggi cinesi è il panorama su seta dell’VIII secolo noto come“L’imperatore Ming Huang in viaggio attraverso Shu“. Si tratta di un ampio e dettagliato capolavoro di paesaggio montano nel tipico stile Tang, che utilizza solo blu e verde. L’originale è andato perduto, ma una copia successiva è conservata al Museo del Palazzo di Taipei.

Las Estatuas de los guerreros de Terracota son un ejemplo de la profundidad del arte chino.
Statue dell’esercito di terracotta

La scultura di figure su larga scala non è sopravvissuta bene, ma sono ancora visibili alcuni esempi monumentali, come quelli scolpiti nella parete rocciosa delle Grotte di Longmen presso il Tempio di Fengxian, vicino a Luoyang.

Le figure, alte 17,4 metri e risalenti al 675 d.C., raffigurano un re celeste buddista e demoni guardiani. Un altro famoso esempio di scultura cinese a grandezza naturale è rappresentato dalle figure dell ‘”Esercito di terracotta” di Shi Huangti

Più di 7.000 figure di guerrieri, 600 cavalli e diversi carri sono stati posti a guardia della tomba dell’imperatore Qin del III secolo a.C. È stato fatto un grande sforzo per rendere ogni figura unica, anche se tutte sono state realizzate con un repertorio limitato di parti del corpo assemblate da stampi

Volti e capelli, in particolare, sono stati modificati per dare l’illusione di un vero esercito composto da individui unici.

Per quanto riguarda le opere di dimensioni minori, la dinastia Shang (1600-1046 a.C. circa) è famosa per le sue opere in bronzo fuso. Le forme più comuni di vasi in bronzo sono i calderoni a tre gambe, a volte con le gambe trasformate in animali, uccelli o draghi

Possono essere circolari o quadrati e molti sono dotati di coperchio e manico. La decorazione a rilievo comprende motivi ripetuti, maschere e volute. Gli artisti Shang hanno prodotto anche vasi a forma di animali tridimensionali, come montoni, elefanti e creature mitologiche.

Nel periodo Han, la scultura su piccola scala assumeva la forma di pietre o mattoni stampati e scolpiti con scene in rilievo, e sono particolarmente comuni nelle tombe. Gli esempi più evidenti provengono dal santuario Wu Liang di Jiaxiang

Risalenti al 151 o 168 d.C., vi sono circa 70 lastre in rilievo con scene di battaglia e personaggi storici famosi, come Confucio, tutti identificati da testi di accompagnamento che coprono la storia cinese cronologica in un documento pittorico simile a un libro di storia.

Sempre nel periodo Han, si diffusero le sculture di cavalli in bronzo fuso. Di solito sono raffigurati al galoppo, con un solo zoccolo appoggiato alla base, in modo che sembrino quasi volare. Le figure in argilla di donne, uomini e servitori in piedi sono comuni nel periodo Han

Il bronzo fuso veniva utilizzato per realizzare piccole statuette e ornati bruciaincenso. Spesso erano intarsiati d’oro e d’argento o dorati. Un pezzo magnifico è una lampada a olio in bronzo dorato a forma di serva inginocchiata, risalente alla fine del II secolo a.C..

Sebbene le tombe degli imperatori e dei personaggi importanti avessero talvolta grandi statue di figure collocate all’esterno, la maggior parte delle sculture successive erano di tema buddista. Durante la dinastia Tang, la ricchezza dei monasteri buddisti permise una grande produzione di arte religiosa. I soggetti più popolari, come sempre, erano il Buddha e i bodhisattva, e spaziavano dalle miniature alle statue a grandezza naturale

A differenza dei periodi precedenti, le figure divennero molto meno statiche e il loro movimento fluido suggerito provocò persino la critica da parte di alcuni che le figure religiose serie ora assomigliavano più a danzatori di corte.

Los chinos eran expertos en alfarería y cerámica, haciendo de estas disciplinas un auténtico arte.

I cinesi erano maestri del vasellame e della ceramica. La loro produzione spazia dai pesanti e funzionali vasi di terracotta alle ciotole squisitamente decorate nella porcellana più delicata, dai vasi agli sgabelli da giardino, dalle teiere ai cuscini

Hanno prodotto la prima ceramica smaltata, i primi celadoni verdi e la prima ceramica sottosmalto dipinta con il blu di cobalto. I primi progressi nelle tecniche e nei forni portarono a temperature di cottura più elevate e alle prime ceramiche smaltate durante il periodo Han

Il vasellame, in particolare i vasi grigi dipinti a barbottina che si trovano comunemente nelle tombe Han, imitava molto spesso la forma e la decorazione dei vasi di bronzo, e questo sarebbe stato l’obiettivo di molti vasai dei periodi successivi

Con l’argilla si realizzavano piccoli modelli non smaltati di case comuni che venivano collocati nelle tombe per accompagnare i defunti e, presumibilmente, per soddisfare simbolicamente il loro bisogno di una nuova casa. Molti di questi modelli sono completati da penne e figurine degli occupanti e degli animali.

I vasai Tang raggiunsero un livello di competenza tecnica superiore a quello dei loro predecessori. I nuovi smalti colorati sviluppati in questo periodo comprendono blu, verdi, gialli e marroni, prodotti con cobalto, ferro e rame. Anche i colori venivano mescolati, producendo le stoviglie tricolori per le quali il periodo Tang è diventato famoso.

Talvolta venivano utilizzati anche ricchi intarsi d’oro e d’argento per decorare le ceramiche Tang. I periodi Yuan (1271-1368) e Ming (1368-1644) produssero ceramiche ancora più famose con la loro caratteristica e molto copiata decorazione blu su bianco, che a sua volta copiava precedenti dipinti cinesi per le idee di design.

El Jade era utilizado en el arte chino para la fabricación de distintos objetos.

Oro, argento, rame, bronzo, avorio, vetro colorato, smalto, pietre preziose, pietre dure semipreziose, seta, legno e ambra erano materiali trasformati in oggetti d’arte da artigiani dotati, ma forse i materiali cinesi per eccellenza delle arti minori erano la giada e la lacca

La giada era particolarmente apprezzata in Cina per la sua rarità, durata, purezza e associazione con l’immortalità. Con trapani circolari e strumenti di ferro, questo materiale duro veniva scolpito in tutti i tipi di gioielli, oggetti di uso quotidiano e figure di animali, persone e creature mitiche, soprattutto draghi

La giada era utilizzata soprattutto per gli oggetti rituali, come il disco bi e i tubi zong (cong), prodotti in gran numero ma la cui funzione è sconosciuta

Un uso unico e sorprendente della giada fu la creazione di“vesti” per coprire il corpo del defunto nelle tombe reali Han. Le “vesti” coprono i contorni del corpo e sono composte da un massimo di duemila pezzi rettangolari di giada intagliati singolarmente e cuciti insieme con fili d’oro o d’argento.

La lacca – un liquido di gommalacca e resina – è stata utilizzata per rivestire oggetti in legno e altri materiali fin dal Neolitico in Cina. Veniva utilizzato per colorare e abbellire paraventi, mobili, ciotole, calici, sculture, strumenti musicali e bare, che potevano essere intagliati, incisi e intarsiati per rappresentare scene della natura, della mitologia e della letteratura

Lo Stato sponsorizzava e supervisionava la produzione di lacca e le varie scuole di lacca producevano forme comuni ma con disegni chiaramente differenziati.

La lacca si presentava sotto forma di piatti, tazze e brocche. Come la ceramica, imitavano spesso i vasi di metallo, ma erano decorati in modo più elaborato, soprattutto con scene di creature mitiche che apparivano dietro le nuvole, probabilmente a rappresentare il mondo degli spiriti.

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