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Chinesische Kunst. Hauptdisziplinen und Merkmale

Die chinesische Kunst ist zweifelsohne faszinierend und nicht nur wegen ihrer Schönheit, sondern auch wegen ihrer geistigen Tiefe bemerkenswert.

Das alte China umfasste eine riesige und wechselnde geopolitische Landschaft, und die Kunst, die es im Laufe von drei Jahrtausenden hervorbrachte, ist, wie nicht anders zu erwarten, ebenso vielfältig

Trotz der fortlaufenden technischen Entwicklungen in China, der Veränderungen bei Materialien und Geschmack und des Einflusses ausländischer Ideen gibt es bestimmte inhärente Qualitäten der chinesischen Kunst, die es ermöglichen, sie allgemein zu beschreiben und anzuerkennen, unabhängig davon, wo oder wann und zu welchem Zweck sie produziert wurde

Zu diesen wesentlichen Eigenschaften gehören die Liebe zur Natur, der Glaube an die moralische und erzieherische Kraft der Kunst, die Bewunderung für die Einfachheit, die Wertschätzung einer gelungenen Pinselführung, das Interesse, das Thema aus verschiedenen Perspektiven zu betrachten, und die Treue zu weit verbreiteten Motiven und Mustern, von Lotusblättern bis zu Drachen

Die chinesische Kunst sollte die ihrer ostasiatischen Nachbarn stark beeinflussen, und die weltweite Wertschätzung ihrer Errungenschaften, insbesondere der Keramik, der Malerei und der Jadearbeit, hält bis heute an.

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El arte chino engloba un amplio número de disciplinas que van desde la caligrafía a la escultura.

Ein wichtiger Unterschied zwischen China und vielen anderen alten Kulturen besteht darin, dass ein großer Teil der chinesischen Künstler keine Profis waren, sondern Amateure (und einige Damen), die auch Gelehrte waren. Sie waren Schüler des Konfuzius und seiner nüchternen Prinzipien und oft auch Literaten, die Gedichte veröffentlichten

Die Kunst war für sie und ihr Publikum ein Mittel, um die von ihnen geschätzte philosophische Einstellung zum Leben festzuhalten und zu präsentieren. Aus diesem Grund ist die von ihnen produzierte Kunst oft minimal und ungekünstelt, für westliche Augen vielleicht manchmal sogar ein wenig streng

Während des größten Teils der Geschichte Chinas sollte die Kunst den guten Charakter des Künstlers zum Ausdruck bringen und nicht nur seine praktischen künstlerischen Fähigkeiten zur Schau stellen. Viele derjenigen, die Kunst produzierten und konsumierten, strebten nach konfuzianischen Prinzipien wie Eigentum oder li.

Natürlich gab es auch professionelle Künstler, die vom kaiserlichen Hof oder von wohlhabenden Mäzenen beauftragt wurden, die Wände und Innenräume ihrer prächtigen Gebäude und Gräber zu schmücken. Natürlich gab es auch Tausende von Handwerkern, die für die wenigen, die es sich leisten konnten, kostbare Materialien zu Kunstobjekten verarbeiteten, aber sie galten nicht als Künstler im modernen Sinne

Die wirklich verdienstvollen Künste in China waren die Kalligraphie und die Malerei. Wenn die heutige Kunstwelt von einem gewissen Snobismus geprägt ist, waren die Chinesen vielleicht die ersten, die sich der Frage stellten, was Kunst ist und was nicht.

In China wuchs das Wissen über Kunst, so dass immer mehr Menschen zu Sammlern wurden. Es wurden Texte gedruckt, um die Menschen durch die Geschichte der chinesischen Kunst zu führen, mit nützlichen Klassifizierungen der verschiedenen Verdienste der Künstler der Vergangenheit

In gewissem Sinne wurde die Kunst standardisiert, mit Konventionen, an die man sich halten musste. Die Künstler mussten die großen Meister studieren und ihre Werke kopieren, um eine Ausbildung zu erhalten

Eine der berühmtesten und beständigsten Quellen für Ratschläge zur Beurteilung von Kunst ist die Sechs-Punkte-Checkliste des Kunstkritikers und Historikers Xie He aus dem sechsten Jahrhundert n. Chr., die ursprünglich in seinem heute verschollenen Ancient Record of Painters‘ Classifications veröffentlicht wurde. Bei der Beurteilung eines Gemäldes sollte der Betrachter die folgenden Punkte berücksichtigen (wobei Punkt 1 der wichtigste und wesentlichste ist):

  • Spirituelle Resonanz, d.h. Vitalität.
  • Bone-Methode, d. h. mit dem Pinsel.
  • Korrespondenz mit dem Objekt, d. h. Darstellung der Formen.
  • Angemessenheit der Schrift, die mit der Platzierung der Farbe zusammenhängt.
  • Einteilung und Planung, d. h. Platzierung und Anordnung.
  • Übertragung durch Kopieren, d. h. Kopieren von Modellen.

Diese relativ starren Regeln für das Schaffen und die Wertschätzung von Kunst waren also weitgehend auf die Überzeugung zurückzuführen, dass Kunst dem Betrachter in irgendeiner Weise zugute kommen sollte. Die Idee oder vielmehr die Akzeptanz, dass Kunst die Gefühle der Künstler selbst ausdrücken kann und soll, kam erst in der Neuzeit auf

Das heißt aber nicht, dass es nicht, wie in jeder Kunst auf der Welt, Exzentriker gab, die sich über Konventionen hinwegsetzten und Werke auf ihre eigene, unnachahmliche Weise schufen

In China gibt es Fälle von Künstlern, die zur Musik malten, ohne das Bild überhaupt zu betrachten, von einem, der nur im betrunkenen Zustand malte und seine Mütze statt des Pinsels benutzte, von solchen, die ihre Finger oder Zehen zum Malen benutzten, und sogar von einem Aktionskünstler, der Tinte auf Seide spritzte, die auf dem Boden seines Ateliers ausgebreitet war, und dann einen Assistenten darüber zog

Leider haben die Ergebnisse dieser Innovationen nicht überlebt und sind heute in den Museen für asiatische Kunst in aller Welt zu sehen.

La caligrafía china es sin ninguna duda su arte más famoso.

Die Kunst der Kalligraphie – und für die alten Chinesen war sie zweifellos eine Kunst – diente dazu, die überlegene Beherrschung und Geschicklichkeit im Umgang mit Pinsel und Tinte zu demonstrieren. Die Kalligrafie wurde während der Han-Dynastie (206 v. Chr. – 220 n. Chr. ) als wichtige chinesische Kunstform etabliert , und zwei Jahrtausende lang wurde von allen gebildeten Menschen erwartet, dass sie sie beherrschen

Einige Frauen, oder zumindest bestimmte Persönlichkeiten am Hof, wurden als erfahrene Kalligraphinnen bekannt, vor allem Lady Wei (272-349 n. Chr.), die den großen Meister Wang Xizhi (303-361 n. Chr.) unterrichtet haben soll.

Die Kunst ist viel mehr als bloße Schrift, denn sie verwendet verschiedene Pinselstrichstärken, ihre subtilen Winkel und ihre fließende Verbindung zueinander – alle präzise in imaginären Räumen auf der Seite angeordnet – um ein ästhetisch ansprechendes Ganzes zu schaffen

Die Kalligraphie wurde schnell zu einer der sechs klassischen und alten Künste, zusammen mit Ritualen, Musik, Bogenschießen, Quadriga und Zahlen.

Die Techniken und Konventionen des Schreibens beeinflussten die Malerei, in der die Kritiker auf den kraftvollen Einsatz der Pinselstriche, ihre Spontaneität und ihre Variation achteten, um die Illusion von Tiefe zu erzeugen. Ein weiterer Einfluss der Kalligrafie auf die Malerei war die Bedeutung, die der Komposition und der Verwendung des weißen Raums beigemessen wurde

Schließlich blieb die Kalligraphie so wichtig, dass sie sogar auf Gemälden erschien, um zu beschreiben und zu erklären, was der Betrachter sieht, um den Titel anzugeben (obwohl keineswegs alle Gemälde einen Titel des ursprünglichen Künstlers trugen) oder um den Ort der Entstehung und die Person, an die es gerichtet war, festzuhalten. Mit der Zeit wurden diese Notizen und sogar Gedichte zu einem integralen Bestandteil der Gesamtkomposition und zu einem untrennbaren Teil des Bildes selbst

Es war auch Mode, dass spätere Besitzer und Sammler weitere Inschriften hinzufügten und sogar zusätzliche Teile aus Seide oder Papier auf dem Originalstück anbrachten, um sie unterzubringen. Ab dem 7. Jahrhundert n. Chr. fügten die Eigentümer häufig ihr eigenes Siegel mit roter Tinte hinzu. Chinesische Gemälde scheinen dazu bestimmt zu sein, ständig manipuliert und mit feiner Kalligrafie verschönert zu werden.

Los árboles y los animales son motivos frecuentes en el arte chino.

Chinesische Maler malten auf einer Vielzahl von Materialien und in vielen Formaten. Die beliebtesten Formate waren Wandmalereien (ab 1100 v. Chr.), Särge und Schachteln (ab 800 v. Chr.), Paravents (ab 100 v. Chr.), Seidenrollen , die zum Betrachten mit der Hand oder zum Aufhängen an der Wand bestimmt waren (ab 100 v. Chr. horizontal und ab 800 v. Chr. horizontal).V. Chr. horizontal und ab 600 v. Chr. vertikal), feste Fächer (ab 1100 v. Chr.), Buchdeckel (ab 1100 v. Chr.) und Faltfächer (ab 1450 v. Chr.).

Die beliebtesten Materialien bei den frühen Künstlern waren Holz und Bambus, aber später wurden folgende Materialien übernommen: verputzte Wände (ab ca. 1200 v. Chr.), Seide (ab ca. 300 v. Chr.) und Papier (ab ca. 100 v. Chr.)

Leinen wurde erst ab dem 8. Jahrhundert nach Christus weit verbreitet. Die Bürsten wurden aus Tierhaar hergestellt, in eine konische Form geschnitten und an einem Bambus- oder Holzgriff befestigt

Es ist bezeichnend, dass dies genau die gleichen Instrumente waren, die auch der Kalligraph benutzte. Die Tinte wurde durch Reiben eines trockenen Kuchens aus tierischen oder pflanzlichen Stoffen, die mit Mineralien und Leim vermischt waren, an einem nassen Stein hergestellt. Da es keine kommerzielle Tintenproduktion gab, musste jeder Künstler seine Tinten in mühevoller Kleinarbeit selbst herstellen.

Die beiden beliebtesten Themen der chinesischen Malerei waren Porträts und Landschaften. Die Anfänge der Porträts in der chinesischen Kunst liegen in der Zeit der Streitenden Staaten (5. bis 3. Jahrhundert v. Chr.). Sie wurden traditionell sehr zurückhaltend ausgeführt, da es sich bei dem Porträtierten in der Regel um einen großen Gelehrten, einen Mönch oder einen Hofbeamten handelte

Aus diesem Grund sind die Gesichter oft scheinbar teilnahmslos, und nur der kleinste Hauch von Emotion oder Charakter kommt subtil zum Ausdruck. Oft kommt der Charakter des Dargestellten am deutlichsten in seiner Haltung und in seiner Beziehung zu anderen Personen auf dem Bild zum Ausdruck; dies gilt insbesondere für Porträts von Kaisern und buddhistischen Figuren.

Es gibt jedoch auch realistischere Porträts, die vor allem auf Wandmalereien in Gräbern zu sehen sind. Ein Zweig der Porträtmalerei bestand darin, historische Persönlichkeiten in bestimmten lehrreichen Szenen aus ihrem Leben zu malen, die den Nutzen moralischen Verhaltens aufzeigten. Natürlich gab es auch Gemälde von Menschen, die weniger hehre Ziele verfolgten, und dazu gehörten die beliebten Szenen des chinesischen Familienlebens, die oft in einem Garten spielen.

DieLandschaftsmalerei gibt es schon so lange, wie es Künstler gibt, aber so richtig in Schwung kam das Genre während der Tang-Dynastie, als sich die Künstler verstärkt mit dem Platz des Menschen in der Natur beschäftigten. In den Tang-Gemälden führen kleine menschliche Figuren den Betrachter durch eine Panoramalandschaft mit Bergen und Flüssen

Es ist nicht verwunderlich, dass Berge und Wasser in der Landschaftsmalerei dominierten, denn das chinesische Wort für Landschaft selbst bedeutet wörtlich übersetzt„Berg und Wasser“. Auch Bäume und Felsen tauchen auf, und oft soll die ganze Szene eine bestimmte Jahreszeit einfangen

Die Verwendung von Farben war begrenzt, entweder alle in verschiedenen Schattierungen einer einzigen Farbe (was die Wurzeln der Kalligraphie verdeutlicht) oder zwei Farben in Kombination, normalerweise blues y grünzeug.

ImEinklang mit dem taoistischen Glauben an den Nutzen der Kontemplation der ruhigen Natur gibt es selten etwas, das die Ruhe der Landschaftsbilder stört, wie z. B. Landarbeiter, und kein bestimmter Ort soll dargestellt werden. Spätere Perioden hingegen zeigen intimere, abstraktere Naturszenen, die sich auf ganz bestimmte Themen konzentrieren, wie z. B. Bambusgärten

Detaillierte Gemälde eines einzelnen Tieres, einer Blume oder eines Vogels waren ab der Song-Dynastie (960-1279 n. Chr.) besonders beliebt, galten aber als künstlerisch minderwertig gegenüber den anderen Kategorien der chinesischen Malerei.

Dennoch wurden einige Tiere zu Symbolen bestimmter Ideen und tauchten in der Malerei auf, wie sie bereits in anderen Kunstformen, z. B. in der Bronzekunst, erschienen waren. Ein Mandarinentenpaar stand zum Beispiel für eine glückliche Ehe, ein Hirsch für Geld und Fische für Fruchtbarkeit und Überfluss. Auch Pflanzen, Blumen und Bäume hatten ihre eigenen Bedeutungen

Bambus wächst gerade und wahrhaftig, wie es sich für einen guten Gelehrten gehört, Kiefer und Zypresse stehen für Ausdauer, Pfirsiche für ein langes Leben, und jede Jahreszeit hatte ihre eigene Blume: Pfingstrose, Lotus, Chrysantheme und Prunus.

Tiefe wurde in den Gemälden durch die Einführung von Nebel oder eines Sees in der Mitte erreicht, wodurch die Illusion entstand, dass die Berge weiter hinten liegen. Außerdem werden die weiter entfernten Objekte mit hellerer Tinte und schwächeren Strichen gemalt, während die Objekte im Vordergrund dunkler und detaillierter wiedergegeben werden. Ein weiteres gemeinsames Merkmal der chinesischen Malerei ist die Darstellung der Szene aus verschiedenen Blickwinkeln und Perspektiven

Esta es una de las pinturas más conocidas del arte chino.

Eines der berühmtesten chinesischen Landschaftsgemälde ist das Seidenpanorama„Der Ming-Kaiser Huang auf der Reise durch Shu“ aus dem 8. Es ist ein umfangreiches und detailliertes Meisterwerk der Berglandschaft im typischen Tang-Stil, bei dem nur Blau- und Grüntöne verwendet wurden. Das Original ist verloren gegangen, aber eine spätere Kopie ist im Palastmuseum von Taipehzu sehen.

Las Estatuas de los guerreros de Terracota son un ejemplo de la profundidad del arte chino.
Statuen der Terrakotta-Armee

Großformatige Skulpturen haben sich nicht gut erhalten, aber einige monumentale Beispiele sind noch zu sehen, wie die in die Felswand der Longmen-Höhlen im Fengxian-Tempel bei Luoyang gemeißelten Figuren.

Die 17,4 Meter hohen Figuren aus dem Jahr 675 n. Chr. stellen einen buddhistischen Himmelskönig und Wächterdämonen dar. Ein weiteres berühmtes Beispiel für chinesische Skulpturen in Lebensgröße sind die Figuren der Terrakotta-Armee von Shi Huangti

Mehr als 7.000 Kriegerfiguren, 600 Pferde und mehrere Streitwagen wurden aufgestellt, um das Grab des Kaisers Qin aus dem 3. Jahrhundert v. Chr. zubewachen. Es wurden große Anstrengungen unternommen, um jede Figur zu einem Unikat zu machen, obwohl sie alle aus einem begrenzten Repertoire von Körperteilen hergestellt wurden, die aus Gussformen zusammengesetzt waren

Insbesondere Gesichter und Haare wurden verändert, um die Illusion einer echten, aus einzelnen Personen bestehenden Armee zu vermitteln.

Die Shang-Dynastie (ca. 1600-1046 v. Chr.) ist berühmt für ihre Gussbronzearbeiten in kleinerem Maßstab. Die gebräuchlichsten Formen von Bronzegefäßen sind dreibeinige Kessel, bei denen die Beine manchmal in Form von Tieren, Vögeln oder Drachen gestaltet sind

Sie können rund oder quadratisch sein, und viele haben Deckel und Griffe. Die Reliefdekoration besteht aus sich wiederholenden Mustern, Masken und Schriftrollenmotiven. Shang-Künstler stellten auch Gefäße in Form von dreidimensionalen Tieren her, wie z. B. Widder, Elefanten und mythologische Wesen.

In der Han-Periode gab es Kleinplastiken in Form von Steinen oder Ziegeln, in die Reliefs eingemeißelt waren, und die vor allem in Gräbern zu finden sind. Die bekanntesten Beispiele stammen aus dem Wu-Liang-Schrein in Jiaxiang

Aus dem Jahr 151 oder 168 n. Chr. stammen etwa 70 Reliefplatten mit Schlachtszenen und berühmten historischen Persönlichkeiten wie Konfuzius, die alle durch begleitende Texte gekennzeichnet sind, die eine chronologische chinesische Geschichte in einem Bildband ähnlich einem Geschichtsbuch darstellen.

In der Han-Periode wurden auch Bronzeskulpturen von Pferden populär. Sie werden in der Regel im Galopp dargestellt, wobei ein einzelner Huf auf dem Sockel ruht, so dass sie fast zu fliegen scheinen. Tonfiguren von Frauen, Männern und stehenden Dienern sind in der Han-Zeit weit verbreitet

Aus Bronzeguss wurden kleine Figuren und verzierte Räuchergefäße hergestellt. Siewaren oft mit Gold- und Silbereinlagen versehen oder vergoldet. Ein prächtiges Stück ist eine Öllampe aus Goldbronze in Form einer knienden Magd aus dem späten 2. Jahrhundert v. Chr.

Obwohl die Gräber von Kaisern und anderen bedeutenden Persönlichkeiten manchmal mit großen Statuen ausgestattet waren, waren die meisten der späteren Skulpturen buddhistischen Themen gewidmet. Während der Tang-Dynastie ermöglichte der Reichtum der buddhistischen Klöster eine umfangreiche Produktion von religiöser Kunst. Die beliebtesten Motive waren wie immer Buddha und Bodhisattvas und reichten von Miniaturen bis zu lebensgroßen Statuen

Im Gegensatz zufrüheren Perioden wurden die Figuren viel weniger statisch, ihre angedeutete fließende Bewegung provozierte sogar die Kritik einiger, dass ernsthafte religiöse Figuren nun manchmal eher wie Hoftänzer aussahen.

Los chinos eran expertos en alfarería y cerámica, haciendo de estas disciplinas un auténtico arte.

Die Chinesen waren Meister der Töpferei und Keramik. Sie produzierten alles, von schweren, funktionalen Vorratsgefäßen aus Steingut bis zu exquisit verzierten Schalen aus feinstem Porzellan, von Vasen bis zu Gartenhockern, Teekannen und Kissen

Sie produzierten die erste glasierte Ware, die ersten grünen Seladons und die erste mit Kobaltblau bemalte Unterglasurware. Frühe Fortschritte bei den Techniken und Brennöfen führten zu höheren Brenntemperaturen und den ersten glasierten Töpferwaren während der Han-Zeit

Die Töpferwaren, insbesondere die grauen, mit Schlicker bemalten Gefäße, die häufig in Han-Gräbern gefunden wurden, ahmten sehr oft die Form und Verzierung von Bronzegefäßen nach, und dies war auch das Ziel vieler Töpfer in späteren Perioden

Aus Ton wurden kleine, unglasierte Modelle von gewöhnlichen Häusern hergestellt, die in den Gräbern aufgestellt wurden, um die Toten zu begleiten und vermutlich ihr Bedürfnis nach einem neuen Zuhause symbolisch zu erfüllen. Viele dieser Modelle werden durch angrenzende Stifte und Figuren der Bewohner und Tiere ergänzt.

Die Tang-Töpfer erreichten ein höheres technisches Niveau als ihre Vorgänger. Zu den neuen Farbglasuren, die in dieser Zeit entwickelt wurden, gehörten Blau-, Grün-, Gelb- und Brauntöne, die mit Kobalt, Eisen und Kupfer hergestellt wurden. Auch Farben wurden gemischt, so dass die dreifarbigen Waren entstanden, für die die Tang-Zeit berühmt geworden ist.

Manchmal wurden auch reiche Gold- und Silbereinlagen zur Verzierung von Tang-Keramik verwendet. Die Yuan- (1271-1368) und die Ming-Zeit (1368-1644) brachten sogar noch berühmtere Keramiken mit ihrem unverwechselbaren und viel kopierten Blau-auf-Weiß-Dekor hervor, das wiederum frühere chinesische Gemälde als Vorlage für Designideen nahm.

El Jade era utilizado en el arte chino para la fabricación de distintos objetos.

Gold, Silber, Kupfer, Bronze, Elfenbein, farbiges Glas, Emaille, Edelsteine, Halbedelsteine, Seide, Holz und Bernstein waren Materialien, die von begabten Kunsthandwerkern in Kunstobjekte verwandelt wurden, aber die wichtigsten chinesischen Materialien der kleinen Künste waren vielleicht Jade und Lack

Jade wurde in China wegen ihrer Seltenheit, Haltbarkeit, Reinheit und der Assoziation mit Unsterblichkeit besonders geschätzt. Mit kreisrunden Bohrern und Eisenwerkzeugen wurden aus dem harten Material alle Arten von Schmuck, Alltagsgegenständen und Figuren von Tieren, Menschen und Fabelwesen, insbesondere Drachen, geschnitzt

Jade wurde vor allem für rituelle Gegenstände wie die Bi-Scheibe und die Zong-Röhren (Cong) verwendet, die in großer Zahl hergestellt wurden, deren Funktion jedoch unbekannt ist

Ein einzigartiger und überraschender Verwendungszweck von Jade war die Herstellung von„Gewändern„, mit denen der Körper des Verstorbenen in den königlichen Gräbern der Han bedeckt wurde. Die „Gewänder“ bedecken die Konturen des Körpers und bestehen aus bis zu zweitausend rechteckigen Jadestücken, die einzeln geschnitzt und mit Gold- oder Silberdraht zusammengenäht werden.

Lack – eine Flüssigkeit aus Schellack und Harz – wird seit dem Neolithikum in China zur Beschichtung von Holzgegenständen und anderen Materialien verwendet. Es wurde zum Färben und Verzieren von Paravents, Möbeln, Schalen, Bechern, Skulpturen, Musikinstrumenten und Särgen verwendet, die mit Schnitzereien, Gravuren und Einlegearbeiten versehen werden konnten, um Szenen aus der Natur, der Mythologie und der Literatur darzustellen

Der Staat förderte und überwachte die Lackwarenproduktion, und die verschiedenen Lackwarenschulen produzierten gemeinsame Formen, aber deutlich differenzierte Designs.

Lackwaren wurden in Form von Tellern, Tassen und Krügen hergestellt. Wie die Töpferwaren ahmten sie oft Metallgefäße nach, waren aber aufwändiger verziert, insbesondere mit Szenen von Fabelwesen, die hinter Wolken auftauchten und wahrscheinlich die jenseitige Geisterwelt darstellten.

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Mit einem Abschluss in Psychologie und einer Leidenschaft für Flamenco-Gitarre und Brettspiele hat mich mein beruflicher Weg tief in den komplexen Zusammenhang zwischen menschlichem Verhalten und Marketing geführt. Über die Jahre habe ich meine Fähigkeit verfeinert, Marktrends und Verbraucherreaktionen zu analysieren und zu interpretieren. Im The Color Blog verbinde ich meine psychologischen Erkenntnisse mit meiner Liebe zum Schreiben und biete einzigartige Perspektiven auf Marketing, Geschichte und die menschlichen Interaktionen, die unser digitales Zeitalter prägen.View Author posts

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