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Ukiyo-e. História e Características

El Ukiyo-e fue un movimiento artístico japonés que influyó en el arte europeo.

O movimento artístico Ukiyo-e moldou tanto a arte japonesa como a ocidental que hoje vemos.

O que começou no século XVII, o Japão encontrou o seu caminho para a arte e design contemporâneos ocidentais. Neste artigo, vamos explorar como surgiu o design Ukiyo-e e o propósito que serviu ao percorrer o mundo

En el Ukiyo-e era común representar escenas de sexo y retratar a los actores del teatro Kabuki.

Ukiyo-e é um tipo de impressão e pintura em bloco de madeira que remonta ao Japão do século XVII. Na altura, este novo estilo artístico era um afastamento das obras de arte tradicionalmente hiper-realistas pelas quais muitos artistas se esforçavam.

Estes desenhos eram minimalistas, geralmente criados através de um simples trabalho de linha e depois magistralmente acabados com cores arrojadas. Este contraste entre o design simplista e focado e a cor vibrante e dramática ajuda a dar vida ao design plano e bidimensional.

Em vez de preencher o espaço com detalhes que distraem, Ukiyo-e concentra-se num único assunto e permite que o trabalho de linha intencional e as cores o realcem no meio de um fundo natural e belo. Embora haja muitas variações, estes componentes particulares definem-no e diferenciam-no de outras formas de design.

Significado da palavra Ukiyo-e

A palavra ukiyo expressou originalmente a ideia budista da natureza transitória da vida. Esta noção bastante pessimista foi ultrapassada durante o período Edo, e o personagem que significa “flutuante” foi substituído pelo homónimo “transitório” para expressar uma atitude de joie de vivre

Esta cultura hedonista glorificando a vida no “mundo flutuante” foi particularmente bem expressa na produção de gravuras de blocos de madeira, que tornaram cativantes imagens de cortesãs sedutoras, actores kabuki excitantes e vistas românticas famosas à disposição de qualquer pessoa com um pouco de dinheiro extra. Pela primeira vez, os artistas foram inspirados e responderam aos interesses e preferências do público em geral.

Iwasa Matabei fue uno de los primeros artistas del Ukiyo-e japonés.

Durante o período Edo, assim chamado porque a capital do Japão tinha sido transferida para Tóquio (então chamada Edo), o país era governado pelo shogunato Tokugawa. Este regime militar impôs a segregação social enfatizando um sistema de classes hierárquicas com guerreiros no topo, seguidos por agricultores, artesãos e comerciantes na base

O regime também reservou certas áreas muradas nas cidades onde teatros, casas de chá e bordéis eram permitidos e que passaram a ser conhecidos como os“distritos do prazer

Foi um tempo relativamente pacífico internamente e isolacionista em relação ao resto do mundo. Como resultado, a arte que reflectia este estilo de vida decididamente japonês encontrou um novo público na classe média em ascensão. Ukiyo-e nasceu como uma evolução do yamato-e, em que o novo estilo de vida foi enfatizado e celebrado.

Os temas destes prazeres mundanos, bem como os seus habitantes, tais como cortesãs famosas, actores kabuki e afins, tornaram-se a matéria-prima criativa preferida para as impressões ukiyo-e. As estampas eram formas de arte popular “baixas”, criadas para a classe mercante e a população trabalhadora urbana, mas logo passaram a ser consideradas obras-primas de arte.

Iwasa Matabei foi uma conhecida pintora de obras retratadas em byobu durante este período. Embora tenha recebido formação na Escola Kanō, os temas e estilos tradicionais japoneses da Escola Tosa influenciaram principalmente o seu trabalho maduro. As suas representações de gueixas, cortesãs divertidas tocando instrumentos, dançando e recitando poesia clássica japonesa, bem como a vida de lazer da classe média, tornaram-se os primeiros exemplos da pintura ukiyo-e.

Las primeras obras de Ukiyo-e eran en blanco y negro.
Ilustração de Hishikawa Moronobu, o primeiro grande mestre Ukiyo-e

Outro artista, Hishikawa Moronobu, é considerado o primeiro grande mestre e criador de gravuras ukiyo-e para as ilustrações do livro que começou a produzir em 1672. Como a impressão a cores ainda não tinha sido inventada, as suas impressões eram principalmente monocromáticas, embora ele também pintasse algumas delas à mão. Reuniu os elementos díspares das anteriores imagens e temas ukiyo-e e formalizou a forma de arte com o seu domínio da linha derivada da caligrafia

As suas imagens incluíam cenas de rua da vida comum, imagens referentes a histórias famosas, poemas ou eventos históricos, e paisagens, imagens de mulheres bonitas e impressões eróticas. É portanto considerado tanto o último dos artistas proto-Ukiyoyo-e como o primeiro verdadeiro artista ukiyo-e.

Ukiyo-e continuou a ser a forma de arte dominante durante o último século do período Edo.

Ukiyo-e dependia da colaboração de quatro pessoas. O artista, utilizando tinta sobre papel, desenhou a imagem, que foi depois esculpida por um artesão num bloco de madeira. Uma gráfica aplicou então o pigmento ao bloco de madeira, e uma editora supervisionou e coordenou o processo e comercializou as obras

Os Ukiyo-e eram normalmente produzidos sob a forma de pratos, que eram tão baratos que muitas pessoas os podiam comprar. Foram também recolhidos em livros, chamados e-hon. Por vezes uma impressão podia ser feita usando duas ou três folhas de papel, criando um efeito tríptico

Os retratos utilizavam um formato vertical, as paisagens um formato horizontal, mas ocasionalmente eram feitas impressões verticais estreitas, criando o efeito de um pergaminho exibido em colunas ou pilares.

Suzuki Horunobu revolucionou a ukiyo-e quando, em 1765, inventou o processo de fazer nishiki-e, ou “impressões em brocado“, o que permitiu o pleno uso da cor. O processo envolvia fazer uma série de blocos de madeira, todos com a mesma imagem, e depois aplicar uma única cor a cada bloco, de modo a que a cor da impressão final fosse o resultado de camadas de pigmento

Os pigmentos utilizados eram à base de plantas e solúveis em água e resultaram numa paleta subtil e rica. Até 20 blocos de madeira, cada um com uma cor diferente, poderiam ser usados para imprimir uma única imagem em papel feito à mão. O trabalho de Horunobu influenciou inúmeros artistas ukiyo-e.

Como em todas as correntes artísticas, houve uma série de conceitos e temas em ukiyo-e que foram populares entre os artistas e repetidos vezes sem conta. Estes temas foram:

Landscapes

Los paisajes y la naturaleza eran temas recurrentes en el Ukiyo-e japonés.

O shogunato, ou domínio militar, do período Edo exigia que todos os senhores feudais tivessem residências em Tóquio (Edo) e que dividissem o seu tempo entre a residência na cidade e os seus domínios. Como resultado, foram construídas cinco estradas principais, tais como a Estrada Tôkaidô, que se estende por mais de 300 milhas entre Tóquio e Quioto, que se tornaram vias de circulação para comerciantes, peregrinos e turistas a caminho de lugares famosos

Estes lugares tinham frequentemente um significado espiritual histórico, influenciado pela religião xintoísta japonesa, que afirmava que cada lugar era ocupado por kami, o que tem sido traduzido de várias maneiras como“deus“,“espírito” ou“essência divina“.

Os santuários em honra dos kami eram comuns em todo o Japão. Katsushika Hokusai e Utagawa Hiroshige são os artistas ukiyo-e mais conhecidos da arte da paisagem. Hiroshige fez da paisagem uma ênfase primária, como se viu nas suas Cinquenta e Três Fases do Tôkaido (1833-1834) e Cem Vistas de Lugares Famosos em Edo (1856-1859)

Treinta y Seis vistas del Monte Fuji, un conjunto de piezas del estilo Ukiyo-e.
Peça da colecção Trinta e seis vistas do Monte Fuji por Hakusai

As Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji (1830-1832) da Hakusai retratam uma variedade de cenas, desde agricultores nos seus campos até viajantes numa estrada, enquanto o sempre presente e sagrado Monte Fuji, tradicionalmente considerado como detentor do segredo da imortalidade na cultura japonesa, domina o pano de fundo.

La Gran Ola de Kanagawa es probablemente la obra más famosa del estilo Ukiyo-e.

Também dentro desta colecção está“A Grande Onda de Kanagawa“, uma das obras de arte mais famosas do mundo

Yakusha-e (Retratos de Actores)

Los retratos de actores del teatro kabuki eran muy demandados por el público en general.

Yakusha-e, ou “quadros de actor”, eram impressões que retratavam actores kabuki (teatro japonês). Eram frequentemente vendidos em folhas soltas e eram baratos e disponíveis como lembranças após uma determinada produção teatral

As gravuras também ajudaram a promover a celebridade do actor, e em reconhecimento disso, as produções teatrais kabuki convidaram por vezes os intérpretes a assistir aos ensaios

Retrato de un actor de Kabuki vestido de samurai.
Katsukawa Shunshō’s peça que retrata um actor Kabuki

Nos primeiros yakusha-e, os actores eram retratados como tipos genéricos, embora mestres notáveis como Katsukawa Shunshō tenham começado a criar retratos realistas. No entanto, o maior mestre do género Tōshūsai Sharaku não estava associado a nenhuma escola, como evidenciado pelos seus tratamentos dinâmicos e muitas vezes pouco lisonjeiros que revolucionaram o género no final do século XVIII.

Kacho-ga (Aves e Flores)

Los pájaros y las flores, así como distintos tipos de animales, eran representaciones comunes en el arte ukiyo-e.

Outro género importante de pinturas ukiyo-e foi kachō-ga ou “pássaros e flores”, um estilo influenciado pelo género tradicional chinês de pintar flores, pássaros, peixes e insectos

Oespaço branco foi um elemento importante do kachô-ga, reflectido na selecção de uma única espécie de ave emparelhada com uma única planta, e em deixar grande parte do espaço circundante como amplos planos de cor, a fim de criar o sentido de simplicidade e harmonia da natureza.

Los pájaros y las flores, Kacho Ga, son una de las obras más comunes dentro del Ukiyo-e.

Como género tradicional de pintura, a realização de imagens de pássaros e flores criou um sentido de autenticidade artística para os artistas ukiyo-e, estabelecendo o seu trabalho como parte de uma longa tradição. Vários deles, incluindo Hokusai e Hiroshige, criariam tais obras, muitas vezes incluindo o texto de um poema clássico ou aludindo a uma referência histórica ou cultural.

Shunga

El sexo era un tema recurrente en el Ukiyo-e y uno de los temas preferidos por el público.

O termo shunga pode ser traduzido em japonês como “imagens da Primavera”, uma vez que a Primavera se refere metaforicamente ao sexo. O termo é também retirado de shunkyū-higi-ga, o termo japonês para os pergaminhos chineses que retratavam os doze actos sexuais que eram uma expressão de yin e yang

O shunga tornou-se um tema popular, já que tanto homens como mulheres compraram as imagens, que eram frequentemente vendidas em pequenos livros. Shunga retratou pessoas comuns, mas também cortesãs, e embora as imagens fossem predominantemente heterossexuais, as relações homossexuais e lésbicas também foram retratadas.

El Shunga representaba escenas eróticas principalmente heterosexuales.

Ogénero era governado por uma série de convenções; os números eram frequentemente representados vestidos, uma vez que isto identificava a sua posição social, e os seus genitais eram exagerados. No Japão, o costume tradicional dos banhos comunitários significava que a nudez não era erotizada.

Shunga pode ser tão subtil, como se viu nas primeiras obras de Moronobu, onde os gestos do casal ou as linhas fluidas das suas mangas evocam o encontro erótico, e tão explícito que, em várias ocasiões durante o período Edo, o governo tentou proibir ou censurar as obras como pornográficas.

Bijin-ga

Los retratos de mujeres bellas o Bijin-ga, eran un tema muy común dentro del Ukiyo-e

A bijin-ga, que significa “imagem de uma pessoa bonita”, era um género dominante no ukiyo-e. As primeiras impressões tendiam a retratar cortesãs famosas que eram frequentemente vistas como celebridades, mas mais tarde artistas como Utamaro retrataram mulheres conhecidas pela sua beleza entre a população urbana

Outros grandes mestres do género foram Suzuki Harunobu, Keisai Eisen, Itō Shinsui, Toyohara Chikanobu, Uemura Shōen, Isoda Koryûsai e Torii Kiyonaga.

Las cortesanas eran figuras muy representadas en las obras de estilo Ukiyo-e.

Os retratos reflectiam não só a mudança dos padrões de beleza na cultura japonesa, mas também a sensibilidade do artista. As impressões de Isoda Koryûsai de meados dos anos sessenta tendiam a retratar uma figura feminina salguiçosa, enquanto por volta da mesma altura Kitao Shigemasa enfatizava a figura delicada

Asfiguras de Utamaro, trabalhando no final do século XVIII, estavam entre as primeiras a serem individualizadas, comunicando a personalidade e o humor da figura. Em vez de seguir um tratamento idealizado, desenvolveu o seu próprio estilo, uma vez que as suas figuras eram frequentemente delgadas mas com cabeças proporcionalmente longas, levando a que o seu trabalho fosse apelidado de ōkubi-e, ou retratos “de cabeça grande”.

A maioria dos artistas ukiyo-e não só estudou sob um determinado mestre, mas também tomou o nome desse mestre. Entre 1672 e 1890, trinta escolas de ukiyo-e desenvolveram-se, cada uma representando o estilo particular do seu fundador, bem como várias gerações dos seus últimos artistas.

Escola Torii

Escena de baño realizada por el fundador de la escuela Torii de Ukiyo-e
Cena balnear de Torii Kiyonaga, fundador da escola Torii

A Escola Torii começou no início do século XVIII com as obras de Torii Kiyonobu I, que era um aluno de Moronobu. Kiyonobu I veio de uma família de proeminentes designers de material promocional kabuki, e devido à sua própria experiência e interesse teatral, a Escola Torii foi pioneira no tema do teatro kabuki, que se tornou um dos temas dominantes das gravuras ukiyo-e

O estilo da escola enfatizava o drama kabuki e os seus actores com as suas aparências generalizadas através de desenhos ousados com linhas grossas e enérgicas.

A Escola Torii tornou-se o estilo dominante dos anos 1700, quando uma nova geração de artistas se tornou na vanguarda. A escola foi inovadora na sua utilização de impressões urushi-e, em que a tinta podia ser misturada com cola para criar um efeito de verniz ou em que se adicionava mica ou pó de metal para criar uma qualidade brilhante. Também exploraram as impressões Benizuri-e, “impressões carmesim” ou “impressões cor-de-rosa”, nas quais um número limitado de cores, muitas vezes incluindo verde e cor-de-rosa, foram aplicadas no processo de impressão.

Os artistas associados à Escola Torii incluem Suzuki Harunobo, que inventou as impressões da brocado nishiki-e, Kitagawa Utamaro e o fundador Torii Kiyonaga. Os três artistas eram famosos pelas suas gravuras bijin-ga, que retratam mulheres bonitas.

Escola Katsukawa

La esuela Katsukawa fue una de las más importantes dentro del Ukiyo-e.

A escola Katsukawa, fundada por Miyagawa Shunsui por volta de 1750, foi a primeira a retratar os actores kabuki de uma forma que se afastou da representação genérica e enfatizou as suas características e personalidades individuais. Katsukawa Shunshō foi pioneiro nestes retratos reconhecíveis, por vezes retratando os actores nos seus camarins.

A representação mais realista de pessoas transportadas para outros géneros de ukiyo-e, como se vê nas famosas imagens de Katsushika Hokusai de pessoas comuns na vida quotidiana

No início da sua carreira, Hokusai era um membro da Escola Katsukawa com o nome de Shunro. Contudo, começou a explorar de forma inovadora a perspectiva e a sombra da arte ocidental nas suas gravuras, o que levou à sua expulsão da escola

Hokusai descreveu este importante acontecimento:“O que realmente motivou o desenvolvimento do meu estilo artístico foi o embaraço que sofri às mãos de Shunko. Implacável e inovador, continuou a criar mais de 30.000 obras e ao longo da sua longa vida adoptou os nomes de 30 artistas

Tornou-se famoso pela sua manga, que eram livros que continham cortes de madeira dos seus esboços e que, segundo o crítico de arte John-Paul Stonnard, continham “todos os temas imagináveis: figuras e animais reais e imaginários, plantas e cenas naturais, paisagens e paisagens marinhas, dragões, poetas e divindades combinados de uma forma que desafia todas as tentativas de tecer uma história à sua volta”.

Escola de Utagawa

El Amanecer en Futamigaura es un ejemplo del estilo de la escuela Utagawa.

A Escola Utagawa foi fundada por Utagawa Toyoharu na década de 1760 e durou até 1850, sendo de facto a última grande escola ukiyo-e. Toyoharu era conhecido por incorporar a perspectiva da arte ocidental nas suas gravuras, tais como Perspective Paintings of Places in Japan: Sanjūsangen-dō em Kyoto, (c. 1772-1781) e vários dos seus alunos continuaram a exploração

Cerca de 400-500 artistas eram membros ou associados da escola, e a escola criou a maior parte das gravuras ukiyo-e conhecidas

Em meados do século XIX, a prodigiosa produção da escola deu origem a uma espécie de retrato estereotipado, com narizes de lanterna e narizes algo exagerados, o que levou a críticas e a uma sensação de declínio do ukiyo-e

O famoso Hokusai até protestou ao seu editor que o entalhador de madeira continuava a alterar os narizes das suas figuras. No entanto, a escola tornou-se a mais conhecida de todas as escolas ukiyo-e porque incluía os artistas Toyokuni e Utagawa Hiroshige

Hiroshige tornou-se conhecido como um dos grandes mestres ukiyo-e de todos os tempos, que reavivou a arte com o seu foco em vistas em série de paisagens e cenas da vida quotidiana.

La obra Iris de Vincent Van Gogh es un ejemplo de la influencia del Ukiyo-e en Europa.
A influência de Ukiyo-e pode ser vista neste trabalho de Van Gogh

Na Europa, a chegada das impressões de blocos de madeira na década de 1850 deu origem ao movimento informal chamado Japonisme (Japonisme em francês). Este entusiasmo por todas as coisas japonesas teve um grande, quase imensurável, impacto nos artistas e movimentos artísticos. James Abbot McNeill Whistler, que liderou tanto o movimento de pintura tonalista como o movimento estético, foi grandemente influenciado pelo uso da cor e composição nas gravuras japonesas

A maioria dos principais impressionistas, como Edgar Degas, Mary Cassatt e Claude Monet, e os Pós-Impressionistas, como Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh e Paul Gauguin, inspiraram-se no ukiyo-e, tal como Gustav Klimt, cujo trabalho levou ao desenvolvimento da Art Nouveau.

No entanto, a mesma abertura ao comércio que levou ao Japonisme na Europa alimentou o declínio do ukiyo-e no Japão. O influxo de ideias, tecnologia e arte europeias transformaram radicalmente a cultura, e o tradicional ukiyo-e terminou na década de 1880. Embora alguns artistas continuassem a trabalhar na gravura, o mercado para eles tinha desaparecido, substituído pelo desejo de arte de inspiração europeia.

No início do Japão do século XX, vários movimentos artísticos japoneses foram influenciados pelo ukiyo-e. Nihonga, uma escola que enfatizava a pintura tradicional japonesa em oposição às obras de influência ocidental (chamado movimento Yōga), foi inspirada por artistas ukiyo-e, tais como Kōno Bairei. Além disso, os movimentos sōsaku-hanga e shin-hanga deveriam reavivar elementos do ukiyo-e.

O movimento Sōsaku-hanga, ou impressões criativas, começou em 1904 com a criação de Kanae Yamamoto’s Fisherman (1904). O artista evitou o tradicional processo colaborativo de impressão em bloco de madeira, desenho, entalhe, impressão e publicação por conta própria. O movimento enfatizou este processo solitário e relacionou-o com um moderno sentido de arte como expressão de individualidade.

Mujer después del baño es una obra más reciente de Ukiyo-e.
“Mulher depois de um banho” por Hashiguchi Goyô

Em 1915 seguiu-se o movimento Shin-hanga, ou novas estampas. Em contraste, o shin-hanga voltou ao processo ukiyo-e para quatro pessoas e concentrou-se nos temas tradicionais ukiyo-e, ao mesmo tempo que foi fortemente influenciado pelo Impressionismo e pela criação de gravuras principalmente para negociantes e coleccionadores de arte ocidentais. A“Mulher depois do Banho” de Hashiguchi Goyô (1915) reflecte tanto a influência de Kitagawa Utamaro como de Jean-Auguste-Domique Ingres na sua representação de um nu na tradição ocidental.

Tanto a shin-hanga como sōsaku-hanga continuaram nas décadas seguintes, atraindo a próxima geração de artistas. Ambos os movimentos conheceram um ressurgimento após a Segunda Guerra Mundial, quando as gravuras se tornaram populares entre os americanos durante a ocupação do Japão pelo Japão.

Na década de 1950, alguns artistas criativos da imprensa, como Hagiwara Hideo, voltaram-se para a abstracção, e a geração seguinte, como Keiji Shinohara, começou a rever e a reconceptualizar o ukiyo-e. Shinohara mudou-se para os Estados Unidos no início da década de 1980, onde colaborou com artistas tão conhecidos como Balthus, Chuck Close e Sean Scully. Ukiyo-e também influenciou as cores lisas, temas e contornos negros do anime japonês e da manga

O fundador do movimento Superflat, Takashi Murakami, foi influenciado pelos pintores excêntricos do período Edo, como se pode ver nas suas pinturas Durama (2011). Do mesmo modo, no Ocidente, os artistas contemporâneos continuam a desenhar em gravuras japonesas, como se pode ver na declaração do artista britânico contemporâneo Julian Opie sobre as gravuras de Hiroshige: “Utilizo-as frequentemente como fonte de inspiração”

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