Dans cet article, nous passerons en revue la biographie et l’œuvre d’ Alphonse Mucha, cet artiste tchèque aux multiples facettes qui a conquis la société de son temps avec son propre style et qui exerce encore aujourd’hui une grande influence sur de nombreux artistes
Enfance et débuts
Mucha a grandi dans l’ombre de deux puissantes forces culturelles : l’Église catholique et le désir d’indépendance des Slaves vis-à-vis de l’Empire autrichien. Son plus ancien souvenir, enthousiasmé par la lumière et les couleurs, est celui des lumières des arbres de Noël
Une fresque baroque dans son église locale a éveillé son intérêt pour l’art, et il est parti à Vienne, où il a fait un apprentissage de peintre de scènes. Entouré par l’explosion de l’art dans la capitale autrichienne, il se familiarise avec l’œuvre de Hans Makart, entre autres, qu’il admire énormément.
Pour gagner sa vie, il entreprend des commandes de portraits. Cela l’a conduit à un mentor important, le comte Khuen-Belasi, qui l’a engagé pour peindre des peintures murales au château d’Emmahof. La pauvreté et la popularité de Mucha sont devenues évidentes alors qu’il travaillait au château
Sa pauvreté est telle que son seul pantalon est si délabré qu’un groupe de filles de la société lui en achète un nouveau. Le comte Khuen-Belasi a payé la formation de Mucha aux beaux-arts à Munich, où il a continué à travailler comme illustrateur, notamment pour le magazine Krokodil, où il a développé son style calligraphique caractéristique.
En 1887, il est à Paris, où il étudie à l’Académie Julian et à l’Académie Colarossi. C’est là que des artistes tels que Vuillard et Bonnard commencent à se faire connaître. Ces artistes ont apporté de nouvelles idées sur ce que l’art pouvait faire.
L’art a été considéré comme une activité susceptible de révéler de grands mystères, et comme un élément à intégrer dans la vie et les objets quotidiens. Ces idées ont commencé à se développer dans ce qui allait devenir la conception Art nouveau de l’art dans la vie quotidienne.
Sa première étape
Mucha gagnait péniblement sa vie en illustrant des magazines et des publicités. Il a partagé un atelier dans la rue Grande Chaumière avec Paul Gauguin. Mucha a préparé le studio pour que, lorsque la porte s’ouvrait, une belle musique se produise
En 1900, un intervieweur décrit le studio comme « tout simplement merveilleux ». Il était rempli d’objets exotiques et d’écrivains, d’artistes et de musiciens bohèmes qui venaient y travailler et s’y divertir. Une photographie tristement célèbre de Gauguin jouant de l’harmonium sans pantalon illustre l’atmosphère ludique et libre de son atelier. C’est là que Mucha a commencé à s’intéresser à l’occultisme avec August Strindberg, et a mené des expériences hypnotiques et psychiques avec Albert de Rochas et l’astronome Camille Flammarion.
Mucha est devenu célèbre en 1894 avec son affiche de théâtre pour Gismonda. L’actrice principale, Sarah Bernhardt, était célèbre dans le monde entier, et en faisant équipe avec elle, Mucha est rapidement devenu célèbre lui aussi. Bernhardt l’a engagé et Mucha a créé de nombreuses affiches promotionnelles pour elle, ainsi que des costumes et des décors.
Au milieu des affiches de la Belle Époque, le style de Mucha est un succès. Les collectionneurs ont volé ses affiches sur les panneaux publicitaires, surnommant son style « Le Style Mucha ». Mais pour lui, l’art ne doit pas se contenter d’être agréable à regarder, il doit communiquer un message spirituel et élever ses spectateurs.
L’art produit en masse l’attirait, car il pouvait toucher et inspirer davantage de personnes. Dans ses affiches de parfums, de bière, de biscuits, de bicyclettes et de cigarettes, Job (1896) a brouillé la barrière entre les beaux-arts et l’art commercial, entre le commerce et la philosophie.
S’inspirant des influences des préraphaélites, de Hans Makart et des gravures sur bois japonaises, Mucha a développé son style unique. Son style est organique et orné, élégant et dynamique, avec des lignes courbes et sinueuses et des bordures, des lettres et des cadres byzantins.
Sa « femme Mucha » emblématique avait des courbes, des cheveux flottants, des robes pastel et souvent un halo de lumière ou de fleurs, rappelant les halos des icônes religieuses qu’il a vues dans son enfance. Les femmes de Mucha sont pleines de vie ; à l’opposé des femmes fatales symbolistes (comme la Madone d’Edvard Munch), les femmes de Mucha ne sont pas une dangereuse tentation à laquelle il faut résister.
Ses panneaux décoratifs innovants, The Seasons (1896), ont donné un nouvel élan à l’art dans les foyers. Inspiré par des amis tels qu’Auguste Rodin, Mucha expérimente la sculpture et s’associe à l’orfèvre Fouquet pour produire de fantastiques bijoux en or, ivoire et pierres précieuses. Il a même créé un « monde Mucha » radieux dans la boutique Fouquet’s de la rue Royale, où ses statues, vitraux, fontaines, mosaïques, sculptures et éclairages ont transformé le shopping en une expérience théâtrale.
Après ses expositions à Vienne, Prague, Budapest, Munich, Bruxelles et Londres, il a été acclamé comme le meilleur artiste décorateur du monde. Pour diffuser ses idées, il a publié deux livres de pochoirs : Documents décoratifs (1902) et Figures décoratives (1905). Ces livres étaient remplis de dessins pour des bijoux, des papiers peints, des vitraux, des meubles et des figurines, et ensemble, ils sont devenus la bible de l’Art nouveau. Malgré son association avec l’Art nouveau, Mucha a rejeté cette étiquette, insistant sur le fait que l’art était intemporel.
Au tournant du siècle, Mucha explore ses croyances spirituelles dans son livre d’images Le Pater (1899), qui est une réinterprétation du Notre Père orné de symboles byzantins, catholiques et maçonniques. Le livre reflète la conviction de Mucha que l’art a un but moral et politique. Cela n’avait aucun sens si, comme il l’a dit, « ma patrie devait étancher sa soif avec l’eau des fossés ». Il s’est senti écrasé par la célébrité, qu’il décrit comme « volant mon temps et me forçant à faire des choses si étrangères à ce dont je rêve ». Son rêve artistique était de créer un cycle de peintures épiques qui serviraient de belle illustration de l’histoire slave et inspireraient la quête de liberté des Slaves.
Période de maturité artistique
Afin de financer sa monumentale épopée picturale, Mucha effectue de multiples voyages aux États-Unis pour trouver un mécène. Produisant des portraits de société en 1909, Mucha trouve enfin son homme, le philanthrope Charles Crane, qui le financera pendant les vingt prochaines années
Mucha revient à Prague en 1910 et se consacre à son épopée slave, tout en exécutant des projets tels que le plafond de la salle du maire, qui porte l’inscription : « Bien qu’humilié et torturé, tu vivras encore, mon pays ».
En 1918, le rêve de Mucha s’est réalisé lorsque la Tchécoslovaquie a été reconnue comme une nation indépendante. Enchanté, il se met à dessiner les timbres-poste, les billets de banque et les armoiries de la nouvelle nation. Dans un atelier du château de Zbiroh, il s’acharnait sur ses toiles gigantesques, dont certaines mesuraient 6 mètres sur 8, et étaient gréées comme des voiles de bateau pour être levées et abaissées.
Son travail exigeait des recherches et il effectuait régulièrement des voyages dans les Balkans et consultait des historiens pour s’assurer que toutes les batailles et tous les costumes étaient fidèlement représentés. Ses œuvres ont commencé à attirer l’attention internationale sur la vision panslave. En 1919, la première phase de son œuvre épique fait le tour des États-Unis, attirant 50 000 visiteurs par semaine.
Sa dernière phase
En 1926, Mucha achève sa dernière toile, la n° 20, L’Apothéose des Slaves, qui montre la nouvelle république protégée par le Christ sous un arc-en-ciel de paix
En 1928, lors des célébrations du dixième anniversaire de la nation, il a fait don de l’épopée slave à la ville de Prague et a procédé à la création d’un impressionnant vitrail dans la cathédrale Saint-Guy (1931).
Au fil de la décennie, son espoir de sécurité est menacé par les nazis, mais, croyant toujours au pouvoir de l’art, il entreprend un triptyque intitulé Les trois âges (1936-38) pour défendre la raison, la sagesse et l’amour comme voies de la paix.
L’invasion nazie de la Tchécoslovaquie en 1939 a mis fin aux espoirs de Mucha, à son travail et finalement à sa vie. Qualifié de « réactionnaire », il est interrogé par la Gestapo et, déjà affaibli par une infection pulmonaire, il meurt en 1939.
L’héritage d’ Alphonse Mucha
Au moment de sa mort, le style de Mucha était considéré comme démodé. Cependant, son fils, l’écrivain Jiri Mucha, a consacré une grande partie de sa vie à écrire sur lui et à attirer l’attention sur son art
L’intérêt pour le style distinctif de Mucha a connu un fort regain dans les années 1960 (avec un intérêt général pour l’Art nouveau) et est particulièrement évident dans les affiches psychédéliques de Hapshash et The Coloured Coat, le nom collectif de deux artistes britanniques, Michael English et Nigel Waymouth, qui ont conçu des affiches pour des groupes tels que Pink Floyd et The Incredible String Band.
Dans son propre pays, les nouvelles autorités se sont peu intéressées à Mucha. Son Epopée slave a été enroulée et stockée pendant vingt-cinq ans avant d’être exposée à Moravsky Krumlov et ce n’est que récemment qu’un musée Mucha est apparu à Prague, dirigé par son petit-fils, John Mucha.
Il a continué à connaître des renaissances périodiques qui intéressent les illustrateurs et les artistes. Il est reconnu comme ayant une forte influence sur le peintre stuckiste Paul Harvey, dont les sujets incluent Madonna et dont les œuvres ont été utilisées pour promouvoir l’exposition The Stuckists Punk Victorian à la Walker Art Gallery pendant la Biennale de Liverpool en 2004
L’artiste manga japonaise Naoko Takeuchi a publié une série d’affiches officielles représentant cinq des principaux personnages de sa série manga Sailor Moon dans le style de Mucha. Un autre artiste de manga, Masakazu Katsura, né en 1962, a également imité le style de Mucha à plusieurs reprises
Le dessinateur de bandes dessinées et actuel rédacteur en chef de Marvel Comics, Joe Quesada, s’est également fortement inspiré des techniques de Mucha pour un certain nombre de couvertures, d’affiches et d’impressions.
Le groupe de grindcore et de sludge metal Soilent Green a utilisé une peinture de Mucha pour la couverture de son album Sewn Mouth Secrets.
L’un des tableaux de Mucha, Quo Vadis ou alternativement Petronius et Eunice, a fait l’objet d’un litige en 1986. L’arrêt rendu par Richard Posner décrit de manière biographique certaines parties de la vie et de l’œuvre de Mucha.
Parmi de nombreuses autres réalisations, Mucha est également le fondateur de la franc-maçonnerie tchèque.
Les œuvres d’art les plus célèbres d’ Alphonse Mucha
Dans ce qui suit, nous décrirons certaines des œuvres les plus importantes et les plus connues de l’artiste tchèque Alphonse Maria Mucha
Boîte à cigarettes Job
Cette affiche saisissante a été créée pour faire de la publicité pour le fabricant de cigarettes Job. Une belle femme avec une cigarette allumée domine l’affiche de Mucha, la fumée montante s’entremêlant avec ses cheveux préraphaélites et le logo de Job
La bordure dorée en zigzag de l’affiche, inspirée des mosaïques byzantines, se combine avec la fumée tourbillonnante et le riche fond violet pour créer une ambiance luxueuse et sensuelle. Les lignes courbes des cheveux de la femme et la fumée qui s’élève se détachent sur les lignes rythmiques du cadre en zigzag
Le simple fait que cette femme fume – et plus encore qu’elle soit quelque peu érotisée – était scandaleux, car aucune femme respectable de l’époque ne fumait en public. De plus, son enchevêtrement sensuel de cheveux en cascade était audacieux, car les femmes respectables de l’époque portaient leurs cheveux relevés.
Cette rupture significative avec la tradition suggère que le fumeur peut être indolent et sauvage. Elle est perdue dans le plaisir, peut-être nue, les yeux fermés et un demi-sourire suggérant l’extase. Mucha représente sa femme fumeuse à la manière d’une sainte extatique pour faire la publicité d’un produit courant, révélant ainsi son grand talent pour mêler art et commerce. Elle élève l’ordinaire à un royaume de beauté mystérieuse.
Les Saisons
Le premier des pânneaux décoratifs (panneaux décoratifs) de Mucha, très copié, Les Saisons (1896), dépeint les cycles harmonieux de la nature.
Quatre beautés saisonnières, chacune avec une toile de fond naturelle différente, transmettent l’humeur de chaque saison. Le printemps innocent se trouve parmi les fleurs blanches et les oiseaux charmants ; l’été se repose parmi les coquelicots rouges ; l’automne prospère se repose avec les chrysanthèmes, en cueillant des fruits ; et l’hiver, dans un paysage enneigé, se blottit sous une couverture avec un petit oiseau.
Le style décoratif des images illustre les influences et les intérêts artistiques de Mucha. Ce style reflète sa dette envers les gravures sur bois japonaises, ainsi qu’envers Les cinq sens de Hans Makart (1879), tandis que l’association des femmes avec un subtil sous-entendu de mort et de renaissance témoigne de son intérêt pour le symbolisme. Le choix du support reflète son intérêt à rendre l’art accessible à tous, puisque les panneaux ont été créés comme des œuvres d’art abordables pour la maison.
Le désir de Mucha de voir l’art produit en série atteindre le plus grand nombre de personnes possible est rapidement satisfait ; ses pânneaux sont si populaires qu’il crée rapidement d’autres œuvres similaires : Les Fleurs (1898), Les Arts (1898), Les Moments du jour (1899), Les Pierres précieuses (1900) et La Lune et les étoiles (1902).
L’art apporté aux bijoux. Le bracelet serpent
L’intérêt de Mucha pour repousser les limites de l’art et du design l’a conduit à réaliser de belles collaborations avec l’orfèvre parisien Georges Fouquet. Le plus emblématique est ce bracelet serpent chatoyant, créé pour son mentor, l’actrice Sarah Bernhardt (Mucha est devenu célèbre en illustrant l’affiche du théâtre Gismonda de Bernhardt en 1894)
D’épaisses spirales en or s’enroulent autour du poignet, la queue glisse le long du bras, tandis que la tête ailée et la mosaïque d’opales, de rubis et de diamants reposent sur la main. Les maillons et les charnières en or fin permettent le mouvement et sont reliés à un anneau en forme de tête de serpent.
Ce bracelet n’est pas seulement un exemple du lien entre Mucha et le monde du théâtre, il révèle également son intérêt pour l’union des traditions de l’Orient et de l’Occident. Le bracelet est également d’une utilité impressionnante : Jiri, le fils de Mucha, a déclaré que le bracelet avait été conçu pour s’adapter au poignet arthritique de Bernhardt. Mucha et Fouquet ont travaillé ensemble pendant trois ans, ce qui a donné lieu à un trésor de bijoux élaborés pour l’exposition de Fouquet à l’Exposition universelle de 1900.
Le Pater
Créé au début du siècle, ce livre d’images marque le moment où la propre philosophie spirituelle de Mucha entre dans son travail
Dans son livre, Mucha a créé une image pour chaque ligne du Notre Père, avec ses propres interprétations symboliques. Il s’agissait de motifs mystérieux allant d’une étoile à huit branches à des étoiles, des croissants de lune, des cercles et de nombreuses autres images ésotériques tirées de la Kabbale et de la philosophie maçonnique, entre autres sources. C’était un appel universel de l’humain vers le divin, une prière pour atteindre un plan spirituel supérieur.
L’imagerie de Mucha mélangeait ses propres traditions catholiques avec son intérêt pour l’occulte, comme le spiritisme (il organisait des séances de spiritisme et des expériences psychiques) et les croyances maçonniques (il était un franc-maçon pratiquant). Il considérait ce livre comme son chef-d’œuvre, et disait y avoir mis toute son âme
Le magazine Century le qualifie de « nouveau mystique » et note que dans Le Pater, le Dieu de Mucha « n’est plus le Père bénin ou courroucé, mais un Être mystérieux dont l’ombre remplit la terre ». La nature est personnifiée sous la forme d’un géant lumineux et adolescent, et l’amour descend du ciel sous les traits d’une femme ».
Slavia
Commandé par le millionnaire et philanthrope Charles Crane pour le mariage de sa fille Joséphine, ce tableau est un portrait de Joséphine en déesse slave, Slavia. L’œuvre en dit plus sur l’utilisation par Mucha de l’image de Slavia comme symbole de sa patrie que sur Joséphine elle-même
Mucha a peint Slavia/Josephina comme sa « femme Mucha » définitive, avec ses cheveux, son corps et ses vêtements créant des formes gracieuses sur un fond richement orné. Charles Crane était vraisemblablement satisfait de ce tableau, puisqu’il devait financer plus tard le projet le plus ambitieux de Mucha, l’Épopée slave (1911-26).
La déesse Slavia était une icône récurrente dans l’œuvre commerciale et artistique de Mucha, ainsi que dans les affiches et les logos de la Slavia Bank. La Slavia, symbole de la nation slave unifiée, était une allégorie bien connue de la culture slave, apparaissant à la fois dans les chants épiques et les légendes.
Mucha revient sur ce thème dix ans plus tard, lorsqu’il est chargé de dessiner les billets de banque de la Tchécoslovaquie nouvellement fondée. Il a utilisé l’image de Slavia sur le billet de 100 couronnes. Mucha avait également prévu d’utiliser l’image de Slavia dans son vitrail de la cathédrale Saint-Guy, mais il a finalement été persuadé de la remplacer par l’image chrétienne de Saint-Venceslas.
Les Slaves dans leur patrie d’origine et L’épopée slave
Il s’agit de la première des vingt toiles massives (environ 6×8 mètres) qui ont constitué le projet de toute une vie de Mucha : L’épopée slave (1911 – 1926), dans lequel il a cherché à créer une iconographie nationale pour le peuple slave tant persécuté, tout en l’unissant à la vertu spirituelle. Dans ce tableau, d’innocents paysans médiévaux sont menacés par des invasions de Huns venus de l’Est et de tribus germaniques venues de l’Ouest
Les couleurs de Mucha sont imprégnées d’une signification symbolique qui renforce la puissance et la beauté de la peinture. Le bleu dominant représente un royaume spirituel, et le blanc contrastant des Slaves suggère la pureté. Le bleu spirituel et le blanc pur contrastent avec les rouges et les oranges des flammes d’un village en feu à l’arrière-plan.
La figure divine flottant en haut à droite est flanquée d’un jeune homme et d’une jeune femme, symboles de la guerre et de la paix. Le message semble être un message d’espoir pour les Slaves, l’espoir qu’ils peuvent avoir la paix et la prospérité même dans l’ombre de leurs nombreuses luttes et guerres.
Mucha a travaillé pendant deux décennies pour achever les vingt toiles qui composent cette série. S’appuyant sur sa grande expérience de la scène et du théâtre, il utilise des photographies de modèles costumés pour composer ses images
Les onze premières toiles ont été exposées publiquement à Prague en 1919. Bien que les toiles soient accueillies positivement par le grand public, les critiques ne sont pas impressionnés et se méfient des sujets ouvertement nationalistes.
La dernière toile, L’apothéose des Slaves, représentant la joie de l’indépendance slave, a été achevée en 1926. Mucha a offert sa série à la ville de Prague et la série a également été exposée aux États-Unis, avec un grand succès.
Vitrail
Cet impressionnant vitrail projette une lumière éclatante dans la nef nord de la cathédrale Saint-Guy à Prague. Il crée une incroyable explosion de lumière, de couleurs et d’activité, les ors et les rouges du centre se fondant dans les bleus et les verts froids des scènes extérieures
Au centre se trouve l’enfant Saint Wenceslas (le saint patron tchèque) avec sa grand-mère, Sainte Ludmila. Ils prient, et les tons rouges qui les entourent préfigurent peut-être le martyre qui les attend. 36 épisodes de la vie des saints Cyrille et Méthode, célèbres pour avoir baptisé les Slaves dans le christianisme, entourent la scène centrale.
Wenceslas personnifie la nation tchécoslovaque libre. Le Christ regarde d’en haut, tandis que les « femmes Mucha » représentent la jeunesse de la nouvelle nation. Le monde séculier s’immisce dans cette scène religieuse, puisque la fenêtre porte le logo de la nouvelle banque Slavia, qui avait financé le projet.
La fenêtre de Mucha n’est pas seulement une réussite par l’exubérance de ses couleurs et le dynamisme de son design, mais elle est aussi profonde sur le plan émotionnel et psychologique. La profonde humanité et l’émotion des personnages sont évidentes dans leurs expressions faciales et leur langage corporel.
