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¿Qué es la Bauhaus? Historia y Origen del Movimiento Artístico

La Bauhaus fue la escuela de arte más importante del siglo XX y que sigue influyendo en distintos campos en la actualidad.

La Bauhaus fue un influyente movimiento artístico y de diseño que comenzó en 1919 en Weimar (Alemania). El movimiento animaba a profesores y alumnos a dedicarse juntos a sus oficios en estudios y talleres de diseño. La escuela se trasladó a Dessau en 1925 y luego a Berlín en 1932, tras lo cual la Bauhaus -bajo el constante acoso de los nazis- cerró finalmente.

El movimiento de la Bauhaus defendió un estilo geométrico y abstracto, con poco sentimiento o emoción y sin guiños históricos, y su estética sigue influyendo en arquitectos, diseñadores y artistas.

La Bauhaus se vio influenciada por orientaciones artísticas del siglo XIX y principios del XX, como el movimiento Arts and Crafts, así como el Art Nouveau y sus numerosas encarnaciones internacionales, como el Jugendstil y la Secesión de Viena.

Todos estos movimientos pretendían nivelar la distinción entre las bellas artes y las artes aplicadas, y reunir la creatividad y la manufactura; su legado se reflejó en el medievalismo romántico del espíritu de la Bauhaus durante sus primeros años, cuando se configuró como una especie de gremio de artesanos.

Sin embargo, a mediados de la década de 1920 esta visión dio paso a un énfasis en la unión del arte y el diseño industrial, y fue esto lo que apuntaló los logros más originales e importantes de la Bauhaus. La escuela también es conocida por su extraordinario profesorado, que posteriormente lideró el desarrollo del arte moderno -y del pensamiento moderno- en toda Europa y Estados Unidos.

Fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius en Weimar, la Staatliches Bauhaus, más conocida como la Bauhaus, fue una escuela de arte alemana que contribuyó al nacimiento de un movimiento artístico y a las carreras de innumerables artistas y arquitectos.

El nombre de la palabra alemana que significa literalmente «casa de la construcción», la Bauhaus se centró en el concepto de Gesamtkunstwerk (la «obra de arte total»), con el objetivo de combinar todas las artes en un solo lugar y bajo una ideología unificada, desde las bellas artes hasta el diseño industrial, desde el diseño gráfico hasta la tipografía, el diseño de interiores y la arquitectura.

El movimiento de la Bauhaus, en el que confluyen el arte, la industria, la tecnología y la estética, surgió del deseo de aunar funcionalidad y estética. No fue sólo un movimiento de diseño, sino un movimiento cultural. Las ideas y la teoría fueron partes esenciales del movimiento y marcaron el tono de los diseños que siguieron a estas ideas.

Desde el propio proceso creativo hasta la definición de cómo encajar el arte y el diseño en el ambiente cada vez más industrial y «desalmado» del modernismo alemán, la filosofía y los principios de diseño de la Bauhaus siguen siendo aplicables en muchos aspectos.

Simplicidad

Probablemente haya oído el dicho «menos es más». Este dicho procede del arquitecto Mies Van Der Rohe, que fue el último director de la Bauhaus de Berlín y un influyente profesor de la época.

La sencillez era un valor importante en muchas creaciones de la Bauhaus. Desde la tipografía hasta el diseño de carteles y más allá, el objetivo de muchos diseñadores era que su trabajo fuera accesible. La simplicidad era el camino para crear accesibilidad, seguir siendo funcional y mantenerse fiel al valor estético.

Mediante la incorporación de espacios en blanco, formas sencillas pero llamativas y colores primarios, la belleza se incorporó a la simplicidad del diseño de la Bauhaus, y la simplicidad sigue siendo valiosa en el arte y el diseño gráfico. Centrarse en lo esencial crea fuerza visual. Esta fuerza era fundamental para la época.

Funcionalidad

«La forma sigue a la función» era un lema esencial en el movimiento. Esto significaba que la funcionalidad de cualquier diseño era lo primero y lo más importante. La forma de un objeto debe apoyar su propósito o función, esencialmente.

Un ejemplo famoso que representa bien la funcionalidad es la silla voladiza de Breuer, que era ligera y eficiente para la producción en masa. El diseño de la silla apoya su función para que sea económica sin dejar de ser estéticamente agradable en su diseño simple.

Estructura y precisión

Hay un cierto sentido de la estructura que definió este movimiento de diseño. Desde la propia estructura curricular de la escuela hasta las formas y líneas, la precisión y la organización eran vitales en todos los principios e ideas que lideraban el movimiento.

Industria y tecnología

En la época del modernismo, la Bauhaus reflejaba la sociedad. El mundo de la época se estaba transformando, ya que el auge de la industria y la «máquina» reconfiguraban todos los aspectos del ser. Los artistas que se autodenominaban parte del movimiento reflejaban los cambios de la sociedad en sus creaciones, incluyendo su aspecto, su trabajo e incluso su forma de crear estas obras de arte.

Los artistas de esta época pensaban en términos económicos y se interesaban por utilizar los recursos de forma inteligente. Cuestionaban, se oponían y se acomodaban a la producción en masa, todo al mismo tiempo.

La industria y la mecanización se reflejaron en la estética definitiva del movimiento.

Lo mismo ocurre hoy en día en el diseño, donde las innovaciones tecnológicas inspiran la forma de diseñar, y ambas trabajan al unísono. Esto es particularmente evidente en el diseño UX, el diseño de aplicaciones y el diseño web. Los diseñadores gráficos están obligados a crear para la tecnología.

Innovación

La Bauhaus estaba orientada a la creación de nuevas soluciones y nuevas formas de pensar. Los artistas y diseñadores de la época se orientaron hacia lo nuevo: nuevas formas de utilizar los materiales, nuevas formas de crear y formas de arte contemporáneo como el diseño gráfico.

Instaron a que las nuevas tecnologías contribuyeran a nuestra forma de ver e interpretar el mundo.

La innovación es un principio importante que todavía se aplica al diseño hoy en día. La creatividad y la innovación van de la mano. El diseño debe estar en constante estado de innovación si queremos desarrollar ideas originales y soluciones mejoradas.

Artistas y artesanos

La gran idea de Gropius era disipar la barrera entre «artesanos» y artistas. Su intención era agrupar la creatividad bajo un paraguas indivisible, creando lo que él llamaba un «gremio de artesanos».

Los talleres de textil, tejido, metal, tipografía y ebanistería eran partes muy valoradas e influyentes de la escuela y estaban en pie de igualdad con las bellas artes y la teoría.

La Bauhaus combinaba elementos de la enseñanza de las bellas artes y del diseño. El plan de estudios comenzaba con un curso preliminar que sumergía a los estudiantes, que procedían de una amplia gama de entornos sociales y educativos, en el estudio de los materiales, la teoría del color y las relaciones formales como preparación para estudios más especializados.

Este curso preliminar solía ser impartido por artistas plásticos, como Paul Klee , Vasily Kandinsky (1866-1944) y Josef Albers entre otros.

Tras su inmersión en la teoría de la Bauhaus, los estudiantes entraban en talleres especializados, que incluían metalistería, ebanistería, tejido, cerámica, tipografía y pintura mural.

Aunque el objetivo inicial de Gropius era la unificación de las artes a través de la artesanía, algunos aspectos de este enfoque resultaron poco prácticos desde el punto de vista financiero.

Sin dejar de hacer hincapié en la artesanía, en 1923 reubicó los objetivos de la Bauhaus, haciendo hincapié en la importancia de diseñar para la producción en masa. Fue entonces cuando la escuela adoptó el lema «El arte en la industria».

En 1925, la Bauhaus se trasladó de Weimar a Dessau, donde Gropius diseñó un nuevo edificio para albergar la escuela. Este edificio contenía muchas de las características que más tarde se convertirían en distintivos de la arquitectura modernista, como la construcción con estructura de acero, un muro cortina de cristal y una planta asimétrica en forma de molinete, en la que Gropius distribuyó los estudios, las aulas y el espacio administrativo para lograr la máxima eficiencia y lógica espacial.

Ebanistería

El taller de ebanistería fue uno de los más populares de la Bauhaus. Bajo la dirección de Marcel Breuer de 1924 a 1928, este estudio reconcebía la esencia misma del mobiliario, buscando a menudo desmaterializar las formas convencionales, como las sillas, hasta su mínima existencia.

Breuer teorizaba que, con el tiempo, las sillas quedarían obsoletas, sustituidas por columnas de apoyo o por el aire. Inspirado por los tubos de acero extruido de su bicicleta, experimentó con muebles de metal, creando finalmente sillas de metal ligeras y producidas en masa. Algunas de estas sillas se utilizaron en el teatro del edificio Dessau.

Diseño textil

El taller textil, especialmente bajo la dirección de la diseñadora y tejedora Gunta Stölzl (1897-1983), creaba tejidos abstractos adecuados para el entorno de la Bauhaus. Los alumnos estudiaban la teoría del color y el diseño, así como los aspectos técnicos del tejido.

Stölzl fomentaba la experimentación con materiales poco ortodoxos, como el celofán, la fibra de vidrio y el metal. Las telas del taller de tejido tuvieron éxito comercial y proporcionaron fondos vitales y muy necesarios a la Bauhaus. Los tejidos del taller, junto con la pintura arquitectónica de las paredes, adornaban los interiores de los edificios de la Bauhaus, aportando un interés visual policromático y abstracto a estos espacios un tanto severos.

Aunque el taller de tejido estaba formado principalmente por mujeres, esto se debía en parte a que se les disuadía de participar en otras áreas. En el taller se formaron varias artistas textiles destacadas, como Anni Albers (1899-1994), que siguió creando y escribiendo sobre textiles modernistas durante toda su vida.

Metalistería

La carpintería metálica era otro de los talleres más populares de la Bauhaus y, junto con el de ebanistería, era el que más éxito tenía en el desarrollo de prototipos de diseño para la producción en serie.

En este taller, diseñadores como Marianne Brandt , Wilhelm Wagenfeld y Christian Dell (1893-1974) crearon bellos y modernos objetos como lámparas y vajillas. En ocasiones, estos objetos se utilizaron en el propio campus de la Bauhaus; las luminarias diseñadas en el taller de metalistería iluminaban el edificio de la Bauhaus y algunas viviendas de la facultad.

Brandt fue la primera mujer que asistió al estudio de metalistería y sustituyó a László Moholy-Nagy como director del estudio en 1928.

Muchos de sus diseños se convirtieron en expresiones icónicas de la estética de la Bauhaus. Su escultural y geométrica tetera de plata y ébano ,aunque nunca se produjo en serie, refleja tanto la influencia de su mentor, Moholy-Nagy, como el énfasis de la Bauhaus en las formas industriales. Se diseñó prestando especial atención a la funcionalidad y la facilidad de uso, desde la boquilla antigoteo hasta el asa de ébano resistente al calor.

El movimiento de la Bauhaus y su estilo modernista influyeron significativamente en el diseño gráfico, y la experimentación y los cambios ideológicos de la época han influido en la forma de diseñar hasta hoy. Hay cuatro áreas clave del diseño gráfico en las que los artistas de la Bauhaus tuvieron un impacto.

Teoría del color

El rojo, el amarillo, el azul, el negro y el blanco dominan el diseño de este periodo. De nuevo, se vuelve a la base de la simplicidad, sin dejar de crear un gran valor estético a través de los colores vibrantes y el contraste de los colores llamativos.

Aunque las obras del periodo de la Bauhaus no se limitan a los colores primarios, éstos eran dominantes, sobre todo en los carteles.

Una parte esencial del plan de estudios de la Bauhaus era el curso de teoría del color del pintor suizo Johannes Itten, que enseñaba los siete métodos diferentes de contraste de colores y analizaba en profundidad el uso del color. Itten fue la primera persona en referirse a los colores como «cálidos» o «fríos». También asociaba colores específicos con tonos musicales.

Los diseñadores gráficos siguen aprendiendo la teoría del color y comprenden la importancia de combinar y contrastar los colores para lograr un impacto visual y una comunicación eficaz.

El uso de formas geométricas

El uso de formas geométricas simples era esencial en la filosofía de diseño de la Bauhaus, contribuyendo a sus temas de funcionalidad y simplicidad.

Como la tecnología y la mecanización eran piezas importantes en el movimiento, las formas geométricas clásicas se asemejaban visualmente al pensamiento tecnológico que impregnaba la época.

El pintor ruso Wassily Kandinsky estaba especialmente interesado en la conexión entre formas y colores. Su experimentación con la creación de estas conexiones mostró a los diseñadores cuántas capas de significado existen en la comunicación visual y cómo podemos elegir conscientemente la relación entre forma y color para transmitir un mensaje o sentimiento.

La Maquetación experimental

En el espíritu de la innovación y la experimentación, se adoptó un nuevo enfoque de la maquetación. Los diseñadores jugaron a colocar los objetos de nuevas maneras, experimentando con los ángulos y el espacio en blanco, y utilizando la tipografía como protagonista de la maquetación.

El nuevo enfoque de la maquetación durante esta época creó una renovada sensación de libertad que afectaría al futuro del diseño gráfico durante las siguientes décadas.

Un ejemplo famoso de una innovación surgida de la experimentación con la maquetación es el «Typophoto» del diseñador Laszlo Moholy-Nagy, que combinaba la tipografía y la fotografía, dando lugar a un nuevo enfoque en la forma de percibir y expresar cada una de ellas.

La importancia de las tipografías

Fue un periodo de reimaginación de la tipografía. Las fuentes se tomaron en serio como parte esencial de una comunicación visual práctica y bella.

La tipografía en el diseño de carteles y folletos que surgió de la época se alineaba con el principio de funcionalidad que impregnaba el movimiento.

El famoso tipo universal de Herbert Bayer definió un nuevo enfoque de la tipografía. Se denominó tipo universal porque Gropius había encargado a Bayer la creación de un tipo de letra que pudiera utilizarse para toda la comunicación, lo que ponía de relieve el afán de simplicidad y funcionalidad. En un principio, sólo constaba de letras minúsculas.

Tipografía

El taller de tipografía, aunque inicialmente no era una prioridad de la Bauhaus, adquirió una importancia creciente con figuras como Moholy-Nagy y el diseñador gráfico Herbert Bayer.

En la Bauhaus, la tipografía se concebía tanto como un medio empírico de comunicación como una expresión artística, y se destacaba sobre todo la claridad visual. Al mismo tiempo, la tipografía estaba cada vez más vinculada a la identidad corporativa y a la publicidad.

Los materiales promocionales preparados para la Bauhaus en el taller, con su uso de tipos de letra sans serif y la incorporación de la fotografía como elemento gráfico clave, sirvieron como símbolos visuales de la institución vanguardista.

Walter Gropius

La escuela de Weimar, fundada por el arquitecto Walter Gropius en 1919, se inspiró en el arte expresionista y en la obra del arquitecto Frank Lloyd Wright y el diseñador William Morris. Sus creadores creían en reunir a artistas y artesanos con un propósito utópico.

Bajo la dirección de Gropius, el movimiento de la Bauhaus no hacía ninguna distinción especial entre las artes aplicadas y las bellas artes. La pintura, la tipografía, la arquitectura, el diseño textil, la fabricación de muebles, el diseño teatral, las vidrieras, el trabajo de la madera, el trabajo del metal… todos tenían cabida allí.

El estilo arquitectónico de la Bauhaus presentaba ángulos rígidos de vidrio, mampostería y acero, que creaban patrones y daban lugar a edificios que, según algunos historiadores, parecían no haber sido creados por un ser humano. Esta estética austera favorecía la función y la producción en masa, y fue influyente en el rediseño mundial de edificios cotidianos que no insinuaban ninguna estructura de clase o jerarquía.

Gropius permaneció como director durante nueve años y dirigió la escuela de la Bauhaus hacia el desarrollo de un estilo cohesivo, aunque esa no era su intención original. A partir de 1925, Gropius supervisó el traslado de la escuela a Dessau, lo que permitió que los principios de la Bauhaus se manifestaran en el espacio físico de la escuela. Gropius diseñó el edificio de la Bauhaus y otros edificios para el nuevo campus.

Las artes plásticas se convirtieron en una oferta importante en la escuela en 1927, con una clase de pintura gratuita ofrecida por Paul Klee y Wassily Kandinsky. La enseñanza se centraba menos en la función (como tantas ofertas de la Bauhaus) y más en la abstracción. El expresionismo y el futurismo tendrían una notable influencia en el arte producido en la escuela, junto con su estilo específico de diseño geométrico que a veces se asemejaba al cubismo.

Paul Klee

Paul Klee se incorporó al cuerpo docente de la escuela en 1920, trayendo consigo una fascinación por el arte y los procesos artísticos de las culturas no occidentales y de los niños, que fusionó con un enfoque geométrico, a menudo científico, de la pintura abstracta. Durante su estancia en la Bauhaus creó obras alabadas por su poesía y humor, como su cuadro de 1922, ¡Baila, monstruo, con mi suave canción!

Klee dejó la Bauhaus en 1931 y murió en 1940. Los pintores surrealistas Joan Miró y André Masson atribuyen a Klee una gran influencia en su obra.

Wassily Kandisky

El pintor Wassily Kandinsky comenzó a dar clases en 1922. Dando la espalda al arte representativo, Kandinsky abrazó lo que consideraba las cualidades espirituales del color y la forma.

Durante su estancia en la Bauhaus, la obra de Kandinsky se centró más en las formas y líneas abstractas, como se aprecia en su cuadro Composición VIII de 1923. Kandinsky permaneció en la escuela hasta su cierre.

László Moholy-Nagy

El artista húngaro László Moholy-Nagy llegó a la escuela en 1923 para impartir clases preliminares y dirigir un taller de metal, pero su verdadera pasión era la fotografía.

Moholy-Nagy era conocido por la experimentación en el cuarto oscuro, utilizando fotogramas y explorando la luz para crear elementos abstractos a través de la distorsión, la sombra y las líneas sesgadas, similares a las obras de Man Ray aunque concebidas de forma distinta a ellas.

Moholy-Nagy también creó esculturas, como sus máquinas cinéticas de luz y movimiento llamadas «moduladores de luz», y pinturas abstractas y geométricas.

Oskar Schlemmer

Oskar Schlemmer enseñó en la escuela de 1920 a 1929, especializándose en diseño, escultura y murales, pero prefiriendo dedicarse al teatro. Fue nombrado director de actividades teatrales de la escuela en 1923 y creó un taller de teatro experimental en 1925.

Schlemmer era conocido por centrar todas sus disciplinas en el cuerpo humano. En su obra más famosa, El ballet triádico, de 1922, Schlemmer transformó a sus bailarines en esculturas cinéticas vistiéndolos con formas geométricas hechas de metal, cartón y madera.

Joseph Albers

Joseph Albers es más conocido durante su estancia en la escuela de la Bauhaus por sus cuadros de cristal de 1928, en los que utilizaba fragmentos de vidrio. Su proceso consistía en chorrear el vidrio, pintarlo en finas capas y hornearlo para crear una superficie brillante. Su obra más famosa de la época de la Bauhaus es un cuadro de cristal de 1928, Ciudad.

Albers fue nombrado profesor en 1923, antes incluso de terminar sus cursos en la escuela. Comenzó en el taller de pintura sobre vidrio y enseñó diseño de muebles, dibujo y rotulación.

Su mujer, Annie Albers, estudió tejido en la Bauhaus, una elección debida a su fragilidad (causada por la enfermedad de Charcot-Marie-Tooth). A menudo mencionada como la artista textil más importante del siglo XX, sus esfuerzos se adentraron en el ámbito del arte abstracto con sus tapices, e incluso creó nuevos tejidos.

Otros alumnos notables son Marcel Breuer, que diseñó el Museo Whitney; Wilhelm Wagenfeld, diseñador famoso por sus productos para el hogar; el maestro alfarero Otto Lindig; y el diseñador de muebles Erich Dieckmann.

Mies van der Rohe

En 1928, el arquitecto suizo Hannes Mayer tomó el relevo de Gropius, pero su mandato fue problemático, ya que la proporción entre alumnos y profesores se convirtió en un gran problema para la escuela y hubo varias disputas con estudiantes comunistas y miembros anticomunistas del profesorado. Fue despedido en 1930.

Ludwig Mies van der Rohe estaba considerado el mejor arquitecto de Alemania cuando Gropius le pidió que asumiera la dirección de la escuela ese mismo año.

Bajo su dirección, la escuela se movió durante una lucha por la supervivencia con el siempre amenazante Partido Nacional Socialista de Alemania, cuya interferencia exigía que se redujera el trabajo experimental mientras se hacía con el control de la escuela.

La solución de Mies van der Rohe a la intervención nazi en la escuela fue trasladarla a una fábrica de teléfonos vacía en Berlín y designarla como institución privada. Pero los nacionalsocialistas siguieron acosando a la escuela, atacando lo que los nazis percibían como ideología comunista soviética y exigiendo que los simpatizantes nazis sustituyeran a determinados miembros del profesorado.

El profesorado se negó rotundamente a colaborar con los nazis y, en lugar de cooperar con ellos, la escuela fue cerrada en 1933 por votación del claustro.

Tras esta decisión, Mies van der Rohe, Gropius, los Albers y muchos otros miembros de la escuela de la Bauhaus huyeron a Estados Unidos, donde siguieron ejerciendo una profunda y duradera influencia en el arte y el diseño del siglo XX.

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Graduado en psicología y aficionado a la guitarra flamenca y los juegos de mesa. Me gusta escribir sobre psicología, marketing, historia y mitología en The Color Blog.View Author posts

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