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El Arte Chino. Principales Disciplinas y Características

El dragón y el tigre son animales representados en el arte chino.

El arte chino es sin ninguna duda fascinante, que destaca no solo por su belleza sino también por su profundidad espiritual.

La antigua China abarcaba un vasto y cambiante paisaje geopolítico, y el arte que produjo a lo largo de tres milenios es, como es lógico, igual de variado.

Sin embargo, a pesar de los continuos desarrollos técnicos autóctonos, los cambios en los materiales y los gustos, y la influencia de las ideas extranjeras, hay ciertas cualidades inherentes al arte chino que permiten describirlo en términos generales y reconocerlo sin importar dónde o cuándo se produjo y con qué propósito.

Estas cualidades esenciales incluyen el amor por la naturaleza, la creencia en la capacidad moral y educativa del arte, la admiración por la simplicidad, la apreciación de las pinceladas logradas, el interés por ver el tema desde varias perspectivas y la fidelidad a motivos y diseños muy utilizados, desde hojas de loto hasta dragones.

El arte chino influiría enormemente en el de sus vecinos de Asia Oriental, y la apreciación mundial de sus logros, especialmente en cerámica, pintura y trabajo en jade, continúa hasta nuestros días.

El arte chino engloba un amplio número de disciplinas que van desde la caligrafía a la escultura.

Una diferencia importante entre China y muchas otras culturas antiguas es que una gran parte de los artistas chinos no eran profesionales, sino caballeros aficionados (y algunas damas) que también eran eruditos. Alumnos de Confucio y de sus sobrios principios, a menudo eran hombres de letras que publicaban poesía.

El arte era, para ellos y para su público, un medio para captar y presentar el enfoque filosófico de la vida que valoraban. Por esta razón, el arte que produjeron es a menudo mínimo y sin artificios, quizás a veces incluso un poco austero a ojos occidentales.

El arte, a lo largo de la mayor parte de la historia de China, debía expresar el buen carácter del artista y no ser una mera exposición de sus habilidades artísticas prácticas. Muchos de los que producían y consumían arte buscaban principios confucianos como la propiedad o el li.

Naturalmente, también había artistas profesionales, contratados por la corte imperial o por ricos mecenas para decorar las paredes y los interiores de sus bellos edificios y tumbas. Por supuesto, también había miles de artesanos que trabajaban materiales preciosos para convertirlos en objetos de arte para los pocos que podían permitírselo, pero no se les consideraba artistas en el sentido moderno.

Las verdaderas artes de mérito en China eran la caligrafía y la pintura. Si el mundo del arte actual se ve afectado por un cierto esnobismo, los chinos fueron quizás los primeros en sucumbir a las cuestiones de lo que es y lo que no es arte.

En China creció el conocimiento del arte, de modo que cada vez más personas se convirtieron en coleccionistas. Se imprimieron textos para orientar a la gente sobre la historia del arte chino con útiles clasificaciones de los distintos méritos de los artistas del pasado.

En cierto modo, el arte se estandarizó con convenciones a las que atenerse. Los artistas debían estudiar a los grandes maestros y copiar sus obras como parte de su formación.

Una de las fuentes más famosas y duraderas de consejos para juzgar el arte es la lista de seis puntos del crítico e historiador de arte del siglo VI de nuestra era, Xie He, publicada originalmente en su ahora perdido Registro antiguo de las clasificaciones de los pintores. Al considerar los méritos de un cuadro, el espectador debe valorar lo siguiente (siendo el punto 1 el más importante y esencial):

  • Resonancia Espiritual, que significa vitalidad.
  • Método del hueso, que significa utilizar el pincel.
  • Correspondencia con el objeto, que significa representar las formas.
  • Adecuación al tipo, que tiene que ver con la colocación del color.
  • División y planificación, es decir, colocación y ordenación.
  • Transmisión por medio de la copia, es decir, la copia de modelos.

Estas reglas relativamente rígidas de creación y apreciación del arte se debían, pues, en gran medida a la creencia de que el arte debía beneficiar de algún modo al espectador. La idea, o mejor dicho, la aceptación de que el arte podía y debía expresar los sentimientos de los propios artistas sólo llegaría en tiempos más modernos.

Sin embargo, eso no quiere decir que no haya habido, como en cualquier arte en cualquier parte del mundo, excéntricos que ignoraron las convenciones y crearon obras a su manera inimitable.

Hay casos en China de artistas que pintaban al ritmo de la música sin mirar siquiera el cuadro, uno que sólo pintaba cuando estaba borracho y utilizaba su gorra en lugar de un pincel, los que utilizaban los dedos de las manos o de los pies para pintar, e incluso un artista de acción que salpicaba de tinta la seda extendida en el suelo de su estudio y luego arrastraba a un ayudante sobre ella.

Lamentablemente, los resultados de estas innovaciones no han sobrevivido para ser disfrutados hoy en día en los museos de arte asiático del mundo.

La caligrafía china es sin ninguna duda su arte más famoso.

El arte de la caligrafía -y para los antiguos chinos era ciertamente un arte- pretendía demostrar un control y una habilidad superiores con el pincel y la tinta. La caligrafía se estableció como una de las principales formas de arte chino durante la dinastía Han (206 a.C. – 220 d.C.) y, durante dos milenios, se esperaba que todos los hombres educados la dominaran.

Algunas mujeres, o al menos ciertas figuras de la corte, llegaron a ser conocidas como expertas calígrafas, sobre todo la dama Wei (272-349 d.C.), de la que se dice que enseñó al gran maestro Wang Xizhi (303-361 d.C.).

Mucho más que la mera escritura, el arte utilizaba distintos grosores de pincelada, sus sutiles ángulos y su fluida conexión entre sí -todo ello dispuesto con precisión en espacios imaginarios de la página- para crear un conjunto estéticamente agradable.

La caligrafía se convirtió rápidamente en una de las seis artes clásicas y antiguas, junto con los rituales, la música, el tiro con arco, la cuadriga y los números.

Las técnicas y convenciones de la escritura influirían en la pintura, donde los críticos buscaban el uso contundente de las pinceladas por parte del artista, su espontaneidad y su variación para producir la ilusión de profundidad. Otra influencia de la caligrafía en la pintura fue la importancia dada a la composición y al uso del espacio en blanco.

Por último, la caligrafía seguía siendo tan importante que incluso aparecía en los cuadros para describir y explicar lo que el espectador estaba viendo, indicar el título (aunque ni mucho menos todos los cuadros llevaban un título del artista original) o dejar constancia del lugar en el que fue creado y de la persona a la que iba dirigido. Con el tiempo, estas notas e incluso los poemas se convirtieron en parte integrante de la composición general y en parte inseparable del propio cuadro.

También hubo una moda de añadir más inscripciones por parte de los propietarios y coleccionistas posteriores, incluso añadiendo porciones adicionales de seda o papel a la pieza original para acomodarlas. A partir del siglo VII de nuestra era, los propietarios solían añadir su propio sello en tinta roja, por ejemplo. Parece que las pinturas chinas estaban pensadas para ser manipuladas continuamente y embellecidas con una fina caligrafía.

Los árboles y los animales son motivos frecuentes en el arte chino.

Los pintores chinos pintaban sobre diversos materiales y en muchos formatos. Los formatos más populares eran los de las paredes (desde el año 1100 a.C.), los ataúdes y las cajas (desde el año 800 a.C.), los biombos (desde el año 100 a.C.), los pergaminos de seda diseñados para ser mirados con la mano o colgados en las paredes (desde el año 100 a.C. en horizontal y desde el año 600 a.C. en vertical), los abanicos fijos (desde el año 1100 a.C.), las cubiertas de libros (desde el año 1100 a.C.) y los abanicos plegables (desde el año 1450 a.C.).

Los materiales más populares entre los primeros artistas eran la madera y el bambú, pero luego se adoptaron los siguientes: paredes enlucidas (desde c. 1200 a.C.), seda (desde c. 300 a.C.) y papel (desde c. 100 a.C.).

El lienzo sólo se utilizó de forma generalizada a partir del siglo VIII de nuestra era. Los pinceles se fabricaban con pelo de animal, cortado en forma cónica y atado a un mango de bambú o madera.

Es significativo que fueran precisamente los mismos instrumentos que utilizaba el calígrafo. Las tintas utilizadas se hacían frotando una torta seca de materia animal o vegetal mezclada con minerales y cola contra una piedra húmeda. Cada artista tenía que fabricar laboriosamente sus propias tintas, ya que no existía una producción comercial de las mismas.

Los dos temas más populares de la pintura china eran los retratos y los paisajes. Los retratos en el arte chino comenzaron en el periodo de los Estados Guerreros (siglos V al III a.C.) y tradicionalmente se realizaban con gran moderación, normalmente porque el sujeto era un gran erudito, un monje o un funcionario de la corte y, por tanto, debía tener, por definición, un buen carácter moral que debía ser retratado con respeto por el artista.

Por esta razón, los rostros son a menudo aparentemente impasibles, con sólo el más mínimo indicio de emoción o carácter sutilmente expresado. A menudo, el carácter del personaje se expresa más claramente en su actitud y en su relación con otras personas del cuadro; esto es especialmente cierto en los retratos de emperadores y figuras budistas.

Sin embargo, hay casos de retratos más realistas, que pueden verse sobre todo en las pinturas murales de las tumbas. Una rama del retrato consistía en pintar a personajes históricos en ciertas escenas instructivas de su vida que mostraban los beneficios de un comportamiento moral. Naturalmente, también había pinturas de personas que tenían objetivos menos elevados, y entre ellas se encuentran las populares escenas de la vida familiar china que suelen estar ambientadas en un jardín.

La pintura de paisajes ha existido desde que los artistas lo hicieron, pero el género despegó realmente durante la dinastía Tang, cuando los artistas se preocuparon mucho más por el lugar de la humanidad en la naturaleza. En las pinturas Tang, las pequeñas figuras humanas guían al espectador a través de un paisaje panorámico de montañas y ríos.

No es de extrañar que las montañas y el agua dominaran la pintura de paisaje, ya que la propia palabra china para paisaje se traduce literalmente como «montaña y agua». También aparecen árboles y rocas, y toda la escena suele estar destinada a captar una determinada estación del año.

El uso de los colores era limitado, o bien todo en varios tonos de un solo color (lo que ilustra las raíces de la caligrafía) o dos colores combinados, normalmente azules y verdes.

De acuerdo con la creencia taoísta en el beneficio de la contemplación de la naturaleza serena, rara vez hay algo que perturbe la tranquilidad de las pinturas de paisajes, como los labradores, y no se pretende representar ningún lugar concreto. Sin embargo, en periodos posteriores, se verían escenas más íntimas y abstractas de la naturaleza concentradas en temas muy específicos, como los jardines de bambú.

Las pinturas detalladas de un solo animal, una flor o un pájaro fueron especialmente populares a partir de la dinastía Song (960-1279 d.C.), pero se consideraban artísticamente inferiores a las demás categorías de la pintura china.

Aun así, algunos animales se convirtieron en símbolos de ciertas ideas y aparecieron en la pintura como ya lo habían hecho en otras formas de arte como el trabajo en bronce. Por ejemplo, una pareja de patos mandarines denotaba un matrimonio feliz, un ciervo representaba el dinero y los peces la fertilidad y la abundancia. Del mismo modo, las plantas, las flores y los árboles tenían sus propios significados.

El bambú crece recto y verdadero como debe ser un buen erudito, el pino y el ciprés representan la resistencia, los melocotones la larga vida, y cada estación tenía su propia flor: peonía, loto, crisantemo y prunus.

La profundidad se lograba en las pinturas introduciendo niebla o un lago en el centro, lo que daba la ilusión de que las montañas estaban más atrás. Otros recursos son el uso de tinta más pálida y trazos más tenues para pintar los objetos más lejanos, mientras que los objetos del primer plano se representan más oscuros y detallados. Pintar la escena con varios puntos de vista y múltiples perspectivas es otra característica común de la pintura china.

Esta es una de las pinturas más conocidas del arte chino.

Una de las pinturas paisajísticas chinas más famosas es el panorama pintado en seda del siglo VIII conocido como «El emperador Ming Huang viajando por Shu«. Se trata de una extensa y detallada obra maestra de paisajes montañosos en el típico estilo Tang, utilizando sólo azules y verdes. El original se ha perdido, pero una copia posterior puede verse en el Museo del Palacio de Taipei.

Las Estatuas de los guerreros de Terracota son un ejemplo de la profundidad del arte chino.
Estatuas del Ejército de Terracota

La escultura de figuras a gran escala no ha sobrevivido bien, pero todavía pueden verse algunos ejemplos monumentales, como los tallados en la pared de roca de las cuevas de Longmen, en el templo de Fengxian, cerca de Luoyang.

Las figuras de 17,4 metros de altura, que datan del año 675 de la era cristiana, representan a un rey celestial budista y a demonios guardianes. Otro célebre ejemplo de escultura china a escala real son las figuras del «Ejército de Terracota» de Shi Huangti.

Más de 7.000 figuras de guerreros, 600 caballos y varios carros fueron colocados para custodiar la tumba del emperador Qin del siglo III a.C. Se hizo un gran esfuerzo para hacer que cada figura fuera única, a pesar de que todas se hicieron a partir de un repertorio limitado de partes del cuerpo ensambladas a partir de moldes.

Los rostros y el cabello, en particular, se modificaron para dar la ilusión de un ejército real compuesto por individuos únicos.

En cuanto a las obras de menor escala, la dinastía Shang (c. 1600-1046 a.C.) es famosa por su trabajo en bronce fundido. Las formas más comunes de los recipientes de bronce son los calderos de tres patas, a veces con las patas convertidas en animales, pájaros o dragones.

Pueden ser circulares o cuadradas, y muchas tienen tapas y asas. La decoración en relieve incluye patrones repetitivos, máscaras y motivos de volutas. Los artistas Shang también produjeron vasijas en forma de animales tridimensionales, como carneros, elefantes y criaturas mitológicas.

En el periodo Han, la escultura a pequeña escala adoptaba la forma de piedra o ladrillos estampados y tallados con escenas en relieve, y son especialmente comunes en las tumbas. Los ejemplos más destacados proceden del santuario de Wu Liang en Jiaxiang.

Fechadas en el año 151 o 168 de la era cristiana, hay unas 70 losas en relieve con escenas de batallas y personajes históricos famosos, como Confucio, todas ellas identificadas por textos que las acompañan y que cubren una historia china cronológica en un registro pictórico similar a un libro de historia.

También en el periodo Han se popularizaron las esculturas de bronce fundido de caballos. Suelen representarse al galope, con un solo casco apoyado en la base, de modo que casi parecen volar. Las figuras de barro de mujeres, hombres y sirvientes de pie son comunes en el periodo Han.

El bronce fundido se utilizaba para hacer pequeñas figuritas y quemadores de incienso adornados. A menudo tenían incrustaciones de oro y plata o estaban dorados. Una pieza magnífica es una lámpara de aceite de bronce dorado con forma de sirvienta arrodillada, que data de finales del siglo II a.C.

Aunque las tumbas de los emperadores y de los personajes importantes tenían a veces grandes estatuas de figuras colocadas en el exterior, la mayoría de las esculturas posteriores eran de temas budistas. En la época de la dinastía Tang, la riqueza de los monasterios budistas permitió una gran producción de arte religioso. Los temas más populares, como siempre, eran el Buda y los bodhisattvas, y abarcaban desde estatuas en miniatura hasta estatuas de tamaño natural.

A diferencia de los periodos anteriores, las figuras se volvieron mucho menos estáticas, su movimiento fluido sugerido incluso provocó la crítica de algunos de que las figuras religiosas serias, en ocasiones, parecían ahora más bien bailarinas de la corte.

Los chinos eran expertos en alfarería y cerámica, haciendo de estas disciplinas un auténtico arte.

Los chinos eran los maestros de la alfarería y la cerámica. Produjeron de todo, desde pesadas y funcionales jarras de almacenamiento en barro hasta cuencos exquisitamente decorados en la más delicada porcelana, desde jarrones hasta taburetes de jardín, teteras y almohadas.

Produjeron las primeras vajillas vidriadas, los primeros celadones verdes y las primeras vajillas bajo vidriado pintadas con azul cobalto. Los primeros avances en las técnicas y los hornos condujeron a temperaturas de cocción más altas y a la primera cerámica vidriada durante el periodo Han.

La cerámica, especialmente las vasijas pintadas con un engobe gris que se encuentran habitualmente en las tumbas Han, imitaba muy a menudo la forma y la decoración de las vasijas de bronce, y éste sería el objetivo de muchos alfareros en períodos posteriores.

La arcilla se utilizaba para fabricar pequeños modelos sin esmaltar de casas corrientes que se colocaban en las tumbas para acompañar a los muertos y, presumiblemente, satisfacer simbólicamente su necesidad de un nuevo hogar. Muchos de estos modelos se completan con corrales adyacentes y figuritas de sus ocupantes y animales.

Los alfareros Tang alcanzaron un nivel de competencia técnica superior al de sus predecesores. Los nuevos esmaltes de color que se desarrollaron en el periodo incluían azules, verdes, amarillos y marrones, que se producían con cobalto, hierro y cobre. También se mezclaban los colores, produciendo las vajillas tricolores por las que el periodo Tang se ha hecho famoso.

A veces se utilizaban también ricas incrustaciones de oro y plata para decorar la cerámica Tang. En los periodos Yuan (1271-1368) y Ming (1368-1644) se produjeron cerámicas aún más famosas con su distintiva y muy copiada decoración azul sobre blanco, que a su vez copiaba pinturas chinas anteriores para obtener ideas de diseño.

El Jade era utilizado en el arte chino para la fabricación de distintos objetos.

El oro, la plata, el cobre, el bronce, el marfil, el vidrio coloreado, el esmalte, las piedras preciosas, las piedras duras semipreciosas, la seda, la madera y el ámbar eran materiales transformados en objetos de arte por artesanos dotados, pero quizá los materiales chinos por excelencia de las artes menores eran el jade y la laca.

El jade era especialmente apreciado en China por su rareza, durabilidad, pureza y asociación con la inmortalidad. Con taladros circulares y herramientas de hierro, este duro material se tallaba en todo tipo de artículos de joyería, objetos cotidianos y figuras de animales, personas y criaturas míticas, especialmente dragones.

El jade se utilizaba especialmente para objetos rituales, como el disco bi y los tubos zong (cong), que se fabricaban en gran número pero cuya función se desconoce.

Un uso único y sorprendente del jade fue la creación de «trajes» para cubrir el cuerpo del difunto en las tumbas reales Han. Los «trajes» cubren los contornos del cuerpo y están hechos de hasta dos mil piezas rectangulares de jade talladas individualmente y cosidas con alambre de oro o plata.

La laca -un líquido de goma laca y resina- se utilizaba para recubrir objetos de madera y otros materiales desde el Neolítico en China. Se utilizaba para colorear y embellecer biombos, muebles, cuencos, copas, esculturas, instrumentos musicales y ataúdes, en los que se podía tallar, grabar e incrustar para mostrar escenas de la naturaleza, la mitología y la literatura.

El Estado patrocinaba y supervisaba la producción de laca, y las diferentes escuelas de laca producían formas comunes pero con diseños claramente diferenciados.

La laca adoptaba la forma de platos, tazas y jarras. Al igual que la cerámica, a menudo imitaban a los recipientes de metal, pero estaban decorados de forma más elaborada, especialmente con escenas de criaturas míticas que aparecían detrás de las nubes y que probablemente representaban el mundo de los espíritus del más allá.

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Graduado en psicología y aficionado a la guitarra flamenca y los juegos de mesa. Me gusta escribir sobre psicología, marketing, historia y mitología en The Color Blog.View Author posts

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